Рубрика: Своими глазами

Самые яркие репортажи

«Less is more»: музыканты ломают стереотипы

Молодой ансамбль «Reheard» дал концерт современной музыки в Москве

Что ожидает слушатель, покупая билеты на концерт классической музыки? Увидеть ярко освещённый зал, благообразную публику, музыкантов во фраках и концертных платьях, играющих Чайковского или Рахманинова на большой сцене.

Что ждёт слушателя, собиравшегося на вечер современной академической музыки? Скорее всего, выступления известных в кругах знатоков ансамблей МАСМ или «Студия новой музыки», Госоркестра  с Владимиром Юровским во главе и, конечно,  развёрнутые комментарии ведущего, объясняющего концепции произведений.

Ансамбль «Reheard» разрушает любые клише.

Столичный коллектив образовался два года назад на базе проекта «Gnesin Contemporary Music Week». Там музыканты занимались с современными авторами, дирижёрами и солистами МАСМа и «Студии новой музыки». Участники «Reheard» — студенты академии музыки имени Гнесиных и Московской консерватории — исполняют сочинения композиторов-экспериментаторов XX и XXI веков: Пьера Булеза, Эдисона Денисова, Клауса Ланга, Александра Ретинского, Франческо Филидеи и многих других. Ансамбль уже выступил на Международной академии молодых композиторов в г.Чайковском, на Рождественском фестивале в Воронеже, на первой Московской студенческой филармонии, на «Днях Эдисона Денисова» и в центре Вс. Мейерхольда.

Дмитрий Баталов, Алёна Таран

Недавняя серия февральских концертов «Игра двух городов» пополнила коллекцию площадок «Reheard» залами московского музея А. Скрябина и питерского Музея Звука. На новых для себя сценах пианист Дмитрий Баталов, скрипачка Алиса Гражевская, виолончелистка Мария Любимова, флейтистка Алёна Таран, кларнетист Андрей Юргенсон и дирижёр Елизавета Корнеева представили как произведения состоявшихся российских мастеров, так и написанные специально для ансамбля опусы юных авторов. В начале концерта в качестве произведения самого опытного из композиторов прозвучала «Монодия» для скрипки Сергея Слонимского, подзаголовок которой — «По прочтении Еврипида» —  отсылает к античности. Древнегреческую монодию автор интересно соединил с разнообразными композиторскими техниками новейшего времени. И Алиса Гражевская, сыгравшая пьесу темпераментно и эмоционально, удачно подчеркнула этот прием.

В качестве мировых премьер «Reheard» подготовил сочинения студентки Казанской консерватории Лилии Исхаковой «Another light» и ученика Высшей школы музыки в Женеве Сергея Леонова «What about?». Оба автора посвятили свои произведения самому ансамблю. «Светом, который создаёт атмосферу и настроение» пьесы Лилии Исхаковой, музыкантам не удалось наполнить зал «до краёв», а вот идею «хаотичного», заложенную в композиции Сергея Леонова, они передали очень убедительно.

Дмитрий Баталов, Алиса Гражевская, Мария Любимова

Помимо «Монодии» Слонимского прозвучали сольные пьесы для других инструментов. В «Cleavages» для бас-кларнета саунд-дизайнера Николая Хруста солисту Андрею Юргенсону необходимо было создать эффект «отражения звуков самих в себе» и чередования «единства» и разделения исполнителя с инструментом. Подобный принцип лежит в основе сочинения Алексея Сысоева «Marsyas», исполненного Алёной Таран. Это «обнажение приёма»: в пьесе есть множество шумовых техник игры на флейте и очень мало её озвученного тембра.

В противовес таким техничным, но немелодичным произведениям, Мария Любимова выступила с «Lifestream» Льва Тернера, выпускника РАМ им. Гнесиных. Здесь композитор использует не только струны, но и корпус виолончели. При этом все эффекты прозвучали легко, создавая впечатление игры ритмов и мотивов. Дмитрий Баталов представил премьеру «Flashbacks to perform #1» Полины Коробковой, студентки Высшей школы искусств в Цюрихе. Пьеса основана не на техниках и шумовых приёмах, а на раскрытии тембрового  богатства фортепиано. Дмитрию удалось передать эту идею в самых разнообразных, иногда удивительных звуках: тихих, глубоких, наполняющих, «тактильных», «прозрачных», «воспроизводимых».

Одним из произведений для полного состава: флейты, кларнета, скрипки, виолончели и фортепиано с участием дирижёра — стала премьера Дмитрия Мазурова «Hauntology». Автор объясняет понятие «хонтологии» как «тоску по будущему, которое так никогда и не наступило». Хотя сам композитор, в основном, работает в сфере экспериментальной электроники, в этой пьесе он специально выбрал академический стиль и акустические инструменты. «Hauntology» прозвучала в широком эмоциональном диапазоне, вызывая у слушателя всю гамму чувств от страсти до тоски.

Небольшая, но ёмкая программа, краткие образные комментарии ведущей Натальи Вересковской, чёрные брючные костюмы с кроссовками вместо платьев и лакированных туфель, уютный полумрак небольшого, но просторного зала музея А. Скрябина — все эти особенности выступления «Reheard» воплощают идею «Less is more» или «Меньше значит больше». За кажущимся минимализмом визуальных и словесных средств, близости исполнителей к слушателям прячется звуковая непредсказуемость, которая шокирует слушателей, а потом исчезает. А все для того, чтобы «озвучить» вопросы, которые никто не осмеливается задать, и  побудить людей искать ответы внутри себя.

Фото: Анна Махортова

Синтез искусств в джаз-клубе Алексея Козлова

В конце декабря одна из сцен любимого музыкантами клуба стала концертной площадкой для создателей экспериментальной музыки. Аркадий Пикунов вместе с другими экспериментаторами представил свой авторский проект «Иное рождение».

Аркадий Пикунов

Первая презентация проекта-перформанса прошла 3 декабря в Культурном центре «Дом». Главный герой перформанса – реальный человек, за которым стоит сам автор. «Это поиск вечного, совершенного счастья в творчестве, но парадокс заключается в том, что его там нет. Герой страдает от осознания этого. Для меня важно прожить на сцене то, что я проживаю в реальной жизни последнее время, и поделиться этим через музыку. Это своего рода исповедь» – говорит Аркадий. Его персонаж, запутавшийся в жизненных перипетиях молодой саксофонист, был окружен звёздным составом музыкантов – вместе с ним импровизировали Аркадий Шилклопер, Григорий Сандомирский, Петр Ившин, Алексей Наджаров и Георгий Мансуров. 

«Иное рождение – это другое (или новое) рождение коллектива, определенных взаимодействий, музыки. Это новые диалоги и взаимодействия на сцене», – так объясняет автор название своего проекта. На этот раз создавать иную музыкальную реальность Аркадию помогали Григорий Сандомирский (фортепиано), Алексей Наджаров (live-электроника) и Оксана Григорьева (ударные). 

Проследить определенную драматургию или некое развитие событий было достаточно сложно. Скорее, это был набор состояний, ощущений, переживаний, которые то чередовались, то переплетались между собой. Лирические эпизоды сменялись агрессивно-драматическими, конкретная музыка – интуитивной, а традиционные приемы игры чередовались с фруллато, слэппингом и мультифониками. 

«Так как в “Доме” я уже пережил одну историю, которую не хотел проживать еще раз, то и музыка в этот раз была процентов на девяносто другая. Здесь было больше импровизационности и свободы, в “Доме” же была детально прописанная программа. Несмотря на то, что не все развивалось так, как я хотел, в целом я доволен результатом». (Аркадий Пикунов) 

Григорий Сандомирский, Михаил Сапожников, Аркадий Пикунов, Оксана Григорьева, Алексей Наджаров

В тот вечер музыканты вдохновили на «рождение нового» всех, кто оказался рядом с ними. Одна из постоянных гостей клуба – художница Тамара Зиновьева. Пока звучала музыка, она создала несколько скетчей, которые в финале вечера подарила музыкантам. 

Возможно, клуб, с его уютной и расслабляющей атмосферой, – не идеальное место для представления такого проекта. Экспериментальная музыка, жанр перформанса, замысел автора – все это предполагает абсолютное погружение зрителя в то, что происходит на сцене. А сделать это довольно непросто, когда за ближайшим столиком обсуждают выбор вина.

Сочувствовать коварным

В Большом театре состоялась премьера оперы Генри Пёрселла «Дидона и Эней». Теперь любовные терзания Дидоны не разрывают сердца слушателей.

Вторая женщина – Екатерина Щербаченко, Дидона – Анна Горячёва, Эней – Жак Имбрэйло

Самая известная опера Пёрселла впервые представлена на Новой сцене. Постановка осуществлена совместно с Международным оперным фестивалем в Экс-ан-Провансе. В Большом над спектаклем работали дирижер Кристофер Мулдс (Великобритания), режиссер Венсан Уге (Франция) и сценограф Орели Маэстр (Франция). 

В новой постановке спектакль начинается с пролога, написанного французской писательницей Мейлис де Керангаль. Из него зрители узнают всю предысторию Дидоны. Появляется новый персонаж – Женщина с Крита. Весь пролог она рассказывает о том, как царица построила великий Карфаген ценой обмана и похищения критских девушек. Выразительный, преисполненный боли, голос Сэсэг Хапсасовой переходил то на шепот, то на восклицания. Пение с этническими вставками-импровизациями и пританцовыванием оживляло безрадостный рассказ. Эта красивая сцена получилась слишком продолжительной для 40-минутной оперы, в результате чего пролог поменял акценты в основном сюжете. После всех своих жестокостей Дидона становится недостойной счастья, ее любовь обречена, и теперь смерть – это не злой рок, а возмездие. 

У Венсана Уге Карфаген выглядит, как каменный причал. Стоя на высокой стене, Дидона впервые видит Энея, люди плетут заговор, в самом конце у основания всё той же стены царица театрально умирает. Костюмы героев не привязаны к историческим реалиям. Дидона в ярком красном платье классического кроя, Эней выглядит как солдат первой мировой войны, а народ – как простой люд во многих операх. После такой эклектики появление в атрибутике пистолетов не вызывает удивления. Кажется, что в действие можно ввести вообще всё что угодно.

Исполнители пели на одном уровне и особенно не удивили. Заглавную партию исполнила Анна Горячёва. Ее голос изначально оставил неоднозначное впечатление. Звучание было странным, немного искусственным. Такая манера пения выделила солистку среди других вокалистов и вызвала ассоциации с контратенорами. Время от времени, возможно из-за сложных мизансцен, Дидону было не слышно. В финальной арии, которая воспринимается как символ трагической любви, накала страстей и ощущения безысходности не случилось. Скорее, создалось впечатление, что исполнителям хотелось быстрее закончить спектакль. Эней Жака Имбрэйло внешне вполне соответствовал типичному романтическому герою, но его пение сердца слушателей не растопило. 

Огромную роль в новой постановке играет хор – редкие мизансцены  поставлены без участия народа. Кроме того, состав хора усилен, и за сценой и на сцене он звучит превосходно, в лучших традициях Большого. Однако именно хоровые эпизоды порой вызывают недоумение. Исходя из пролога, народ должен ненавидеть Дидону. При этом люди радостно ждут брака своей царицы с полубогом и героем Энеем, а после смерти Дидоны почему-то скорбят. Разве не должен народ ликовать после отмщения? 

Женщина с Кипра – Сэсэг Хапсасова, Белена – Анастасия Сорокина, Дидона – Анна Горячёва

Одна из сильных сторон спектакля – оркестр. Под управлением Кристофера Мулдса он звучал стройно, гармонично и вполне «исторически».  В творчестве британского дирижера опера эпохи барокко занимает особое место; ту же «Дидону» он ставил в разных уголках мира. На этот раз аутентичный оттенок звучанию придало и то обстоятельство, что в оркестр Большого театра были введены барочные инструменты: клавесин, теорба и виола да гамба.

Фото: http://muzlifemagazine.ru/didona-i-yeney-v-bolshom-teatre/

Итоги без фальши

На дворе первые дни 2020-го года. За окном «европейская» зима, на столах нескончаемые пиры, в головах звон бокалов, вокруг близкие и родные люди. Редакция «БезФальши» предлагает на пару минут отвлечься от праздничной рутины и вспомнить то, что принес в историю 2019-й.

ПРОРЫВ

Звание «Прорыв года» получает джазовый гитарист Евгений Побожий. Музыкант закончил эстрадно-джазовую кафедру в Ростовской консерватории им. С. В. Рахманинова, работает в Московском джазовом оркестре Игоря Бутмана, собрал собственный квартет. 3 декабря Евгений Побожий выиграл Международный конкурс Института джаза имени Херби Хэнкока (ранее — Конкурс им. Телониуса Монка), тем самым став первым в истории музыкантом из России, который победил на престижнейшем американском джазовом конкурсе. Гитарист очаровал жюри владением разными стилями и умением играть в ансамбле.

Евгений Побожий

ДОСТИЖЕНИЕ

Достижением года становится победа ансамбля современной хоровой музыки «Alto coro» на конкурсе чемпионов «Grand Prix of Nations» в рамках IV-х Европейских Хоровых Игр в шведском Гётеборге. Европейские Хоровые Игры – один из престижнейших хоровых конкурсов в мире. Основатель и художественный руководитель ансамбля – ректор Российской Академии музыки имени Гнесиных, доктор искусствоведения Александр Сергеевич Рыжинский. Свою историю «Altro coro» ведет с 2010-го года, за это время коллектив обрел обширный концертный репертуар, включающий произведения XX-XXI веков, в том числе и редко исполняемые.

Altro coro

ПРЕМЬЕРА

«Поругание Лукреции» получает звание «Премьера года» по версии «БезФальши». В апреле 2019-го в театре «Новая опера» имени Е.В. Колобова состоялась московская премьера оперы «Поругание Лукреции» Бенджамина Бриттена. Постановка стала частью программы Года музыки Великобритании и России. Главный дирижёр и музыкальный руководитель — Ян Латам-Кёниг, постановщиками стали режиссёр Екатерина Одегова и художник Этель Иошпа. «Лукреция» – это спектакль, в котором прекрасное звучание, актерская игра и художественное оформление соединились по режиссерской задумке, чтобы не только поставить вопросы нравственности, но и предложить свои ответы.

Поругание Лукреции

СОБЫТИЕ

Здесь, конечно же, без вариантов – это XVI Международный конкурс имени П. И. Чайковского. Соревнование имеет славную историю (проводится с 1958-го года), и повидало на своем веку как триумфальный взлет, так и безнадежный упадок. Последнее десятилетие, после того как председателем оргкомитета конкурса стал Валерий Гергиев и была получена мощнейшая финансовая поддержка, состязание вновь обрело статус одного из престижнейших в мире. В 2019-м конкурс прошел на 11-ти концертных площадках Москвы и Санкт-Петербурга, были введены две новые специальности: медные и деревянные духовые инструменты. Был поставлен рекорд: трансляцию на Medici.tv посмотрели более 10-ти миллионов человек по всему миру.

ФЕСТИВАЛЬ

В 2019-м году в Инженерном корпусе Третьяковской галереи открылась невиданная в России по масштабам выставка картин норвежского живописца Эдварда Мунка, известного работами «Крик» и «Мадонна». Уникальному событию был посвящен проходящий в стенах Третьяковки не менее уникальный фестиваль камерной музыки «Vivarte». Художественный руководитель Борис Андрианов пригласил в Москву известнейших музыкантов из России, Канады, Австрии, Великобритании и скандинавских стран: Дмитрия Илларионова (гитара), Сергея Догадина (скрипка), Игоря Рахлина (скрипка), Сару Макелрави (скрипка), Итамара Голана (фортепиано), Дмитрия Синьковского с его ансамблем «La Voce Strumentale». Изысканность программы, маститость и виртуозность музыкантов, проникновенность интерпретаций делает «Vivarte» одним из лучших камерных фестивалей в России. 

Борис Андрианов и Кристиан Иле Хадланд

СКАНДАЛ

В августе и сентябре этого года испанского мэтра оперной сцены Пласидо Доминго обвинили в сексуальных домогательствах в совокупности 20-ти представительниц прекрасного пола. Все эти инциденты имели место быть в далёком прошлом – аж в 1990-е годы. Почему это всплыло только сейчас? Остаётся только догадываться. Как и остаётся только удивляться тому, насколько своеобразно законодательство США. Леденящие кровь «преступления» Доминго из серии «он пригласил меня на ланч», «он подошёл ко мне вплотную и предложил остаться у него» послужили причиной увольнения 78-летнего певца с поста директора оперы Лос-Анджелеса, ухода из Метрополитен-опера и отменой концертов. Жаль, что бездоказательные обвинения, вызванные скорее всего завистью и алчностью, находят поддержку в таком с виду развитом и демократическом обществе, как американское.

Пласидо Доминго

СМЕКАЛКА

Сцена – место сюрпризов, причём не всегда приятных. Музыкантам приходится во время выступлений выкручиваться с лопнувшими струнами, расстроенными роялями и забытыми нотами. Например, в финальном туре XVI Международного конкурса им. П.И. Чайковского оркестр начал играть произведения одного из пианистов в обратном порядке. Конкурсант из Китая Ань Тяньсю был в недоумении, услышав вступление из «Рапсодии на тему Паганини» Рахманинова, а не из Первого концерта Чайковского, который он планировал играть вначале. Пианист многновенно сориентировался и выступил достойно. Причину казуса узнали позже: инспектор Госоркестра перепутал порядок произведений, и разложил партии на пульты оркестрантов в неверной последовательности. Жюри единогласно решило вручить конкурсанту специальный приз «за самообладание и мужество».

Ань Тяньсю

ГАСТРОЛИ

Тринадцатиминутные овации после четырехчасового «гипноза» и множество восторженных рецензий – итог постановки «Хованщины» Мусоргского Валерием Гергиевым в «Ла Скала». «С порхающими без устали пальцами, он выводил звук такой интенсивности, как будто для исполнения был вызван дух его родины – “черноземная сила”, как писал Мусоргский», –прокомментировало работу российского дирижера издательство «Financial Times».

В главных ролях выступили солисты Мариинского театра: «Мощный, гротескный Иван Хованский в исполнении Михаила Петренко, Екатерина Семенчук, словно впитавшая властный характер своей героини, Алексей Марков, впечатливший голосом и ярким образом Шакловитого» («La Stampa»).

Также над оперой работал итальянский режиссёр Марио Мартоне. После фееричной премьеры в феврале «Хованщина» шла в «Ла Скала» ещё весь март, а в июне спектакль исполнили в Московской филармонии. 

Валерий Гергиев

ПРЕЗИДЕНТ ГОДА

В октябре 2019 года в стенах Российской академии музыки имени Гнесиных произошли важные кадровые перестановки: ректором вуза был избран Александр Сергеевич Рыжинский. Его предшественница Галина Васильевна Маяровская, занимавшая этот пост с 2007 года, стала президентом Академии. Должность была учреждена специально, исходя из того, что вуз получит энергичность и решительность Александра Сергеевича вместе с опытом и авторитетом Галины Васильевны. Началась новая традиция президентства Гнесинке, которая наверняка принесет заведению заметную пользу.

Галина Васильевна Маяровская

ПОТЕРИ

Необходимо вспомнить тех, кто оставил свой уникальный и запоминающийся след в музыке, и кому не суждено было пережить 2019-й.

Евгений Крылатов, композитор, народный артист РФ. Им создано большое количество сочинений в разных жанрах: симфоническая, камерная, эстрадная музыка, музыка для драматического театра, радио и телевидения, но особенно плодотворно его творчество в кинематографе: он стал автором музыки более чем к 160 фильмам и мультфильмам («Простоквашино», «Умка», «Гостья из будущего», «Чародеи», «Приключения Электроника»). Умер 8 мая в Москве в возрасте 85-ти лет.

Джесси Норман, легендарная американская оперная певица. В её репертуаре присутствовал богатейший камерный и вокально-симфонический репертуар от Баха и Шуберта до Малера, Шёнберга («Песни Гурре»), Берга и Гершвина. Также Норман записала несколько дисков спиричуэлc и популярных американских, а также французских песен. Ее оперный репертуар включал партии из опусов Р. Штрауса, Р. Вагнера, Ж. Бизе, И. Стравинского, Г. Берлиоза и многих других. Джесси Норман не стало 30 сентября в Нью-Йорке на 75-м году жизни. 

Гия Канчели, композитор, автор семи симфонии, множества хоровых произведение и музыки к фильмам «Не горюй!», «Мимино», «Кин-дза-дза», народный артист СССР. Умер 2 октября в Тбилиси на 85-м году жизни.

Марис Янсонс, советский и российский дирижёр, народный артист РСФСР. С 1979 года занимал место музыкального руководителя оркестра Филармонии Осло, с 1994 года сотрудничал с Венским филармоническим оркестром. В 2004—2016 являлся главным дирижёром нидерландского Концертгебау. Среди других коллективов, с которыми работал Янсонс, — Берлинский филармонический оркестр, симфонический оркестр Баварского радио, Чикагский, Кливлендский и Питтсбургский симфонические оркестры. В 2005 году Янсонсу присудили «Грэмми» за исполнение Тринадцатой симфонии Шостаковича. Умер в Санкт-Петербурге 1 декабря в возрасте 76 лет.

Текст: Анастасия Деминская, Анастасия Петровская, Полина Столярова, Лидия Заграевская, Вадим Симонов

Фото:

https://m.gazeta.ru/culture/2019/05/08/a_12344479.shtml, https://www.peoples.ru/art/music/conductor/yansons/yansons_339.shtml, https://www.liveinternet.ru/users/lhvr_grecey/friends/, https://tchaikovskycompetition.com/en/photos/gal9.htm, http://www.nazarovo-online.ru/tv/2019/05/08/annonce/2312873/, https://www.jazz.ru/2019/12/12/evgeny-pobozhiy-interview/?fbclid=IwAR3-R3ApaQbXERFy0GhXQPw99BG2gqIfc_sRmcYKcHPukBY47lmjTHCHIT4, https://novayaopera.ru/afisha-i-bilety/repertuar/poruganie-lukretsii/, http://www.zimbio.com/photos/Placido+Domingo/LA+Opera+Nabucco+Concert+Starring+Placido/0SBrQUgf9hF, http://www.rewizor.ru/music/news/obyavleny-rezultaty-i-tura-konkursa-chaykovskogo/, http://www.unident.ru/u-art/IV-Mezhdunarodnyj-festival-kamernoj-muzyki-14892.phtml

Буйство рок-н-ролльных красок в Доме музыки

Гленн Хьюз «взорвал» зал хитами Deep Purple

Невероятному драйву концерта, состоявшемуся в Светлановском зале, предшествовало томительное ожидание: фанаты группы ждали выхода музыкантов. И вот наконец на сцене появился, кокетливо помахав руками, Гленн Хьюз (бывший басист и вокалист группы «Deep Purple») с другими исполнителями: это гитарист Сорен Андерсон, клавишник Йеспер Бо Хансен, барабанщик Фер Эскобедо. Уверенно заняв свои места, рокеры погрузили слушателей в атмосферу семидесятых, с их особым азартом и запалом, с их легендарными хитами.

Гленн Хьюз

Начали со «Stormbringer», а дальше – “Mistreated”, “Sail Away”, “Smoke on the water», “Burn”… В каждой песне Гленн Хьюз и его группа выкладывались по полной. Хьюз сотрясал стены Дома музыки своим мощным, зычным голосом под энергичный аккомпанемент гитарных риффов и сверхсумасшедших ритмов барабанов. Фирменные рокерские «штучки» – например, резкие прыжки к верхним нотам в вокальной партии или протяжное соло электрогитары на фоне ярких гармоний у клавишных – добавляли сочности и темперамента происходившему на сцене.

Сорен Андерсон

Динамичные песни сменялись рок-балладами, и каждая композиция вызывала импульс-отклик у зрителей. Поднятые вверх «рожки», кулаки, плакаты, яркие экраны телефонов стали знаками полного взаимопонимании публики с музыкантами на сцене.

Фер Эскобедо и Гленн Хьюз

Радушный приём вдохновил Хьюза на новые свершения. В каждом хите знаменитый рокер демонстрировал залу разные грани своего вокального мастерства, лихо путешествуя от одной композиции к другой.

Напористые яростные ритмы, пробиравший до мурашек голос, впечатляющая работа осветителей сцены, – Дом музыки и его гости не сразу смогут забыть этот вечер. Гленн Хьюз, не теряющий рокерской хватки, вместе с другими музыкантами вновь покорил слушателей настоящим и искренним рок-н-роллом.

Фото: https://www.khalzov.ru/2019/11/glenn-hughes.html

Остров радости

Вечер в рамках цикла «Мой остров – гитара» состоялся в Музее музыки.

Первые концерты абонемента «Мой остров – гитара» прошли в 2013 году, и с тех пор цикл стал постоянным «островом радости» для любителей гитары. На этот раз публика услышала четырёх прекрасных солистов и их слаженный ансамбль (гитарный квартет). На сцене – выдающийся российский гитарист, профессор Евгений Финкельштейн и его ученики: Алексей Корбанов, Дмитрий Притула, Алексей Соколов. Все они – активно концертирующие исполнители, члены жюри и участники различных фестивалей, а некоторые заявили о себе ещё и как авторы композиций или транскрипций. 

Евгений Финкельштейн

Каждому концертному номеру, прозвучавшему на сцене Музея Музыки, Евгений Финкельштейн предпосылал краткий словесный комментарий, посвященный не столько произведению, сколько личности исполнителя. Маэстро словно настраивал слушателей на стиль игры каждого музыканта.

В первом отделении «школа» профессора Финкельштейна по-разному проявила себя в исполнительском стиле каждого из его учеников. У Дмитрия Притулы, исполнившего «Фанданго вариации» Д. Агуадо, на первом плане – поразительная  виртуозность. У Алексея Соколова, представившего Сонату для гитары соло Ульриха Ведлича, – тонкое чувство стиля немецкого композитора. Алексей Корбанов выступил не только как исполнитель на классической гитаре, но и как фламенко-гиатрист. 

Сам же Евгений Финкельштейн, исполнивший собственные переложения произведений Дж. Замбони и Г. Перселла, поразил необыкновенной красотой тона, выразительностью и одухотворенностью; техническая сторона игры была совершенно незаметна – звуки словно бы сами рождались из тишины. И во всем его облике проступало истинное и искреннее благородство.

Во втором отделении, посвященном, в основном, русской музыке, сольные номера (сочинения Николая Александрова, Никиты Кошкина, Софии Губайдулиной и Михаила Высотского) чередовались с ансамблевыми. Кульминацией квартетной составляющей второго отделения (и всего вечера) стала мировая премьера композиции «Перезвоны» Юлии Финкельштейн, в которой с филигранным мастерством отобразился колокольный звон во всем богатстве своих оттенков. Композитору удалось создать традиционный для русской культуры звучащий образ с помощью выразительных средств, казалось бы, мало приспособленных для этого инструментов – четырех гитар. Наполненность музыкальной ткани, красочность, радость мировосприятия и удивительная слаженность исполнительского коллектива заставили слушателей на несколько минут затаить дыхание и полностью включиться в захватывающее «действо».   

Завершился концерт номером на бис – обработкой для четырех гитар народной песни «Липа вековая» С. Руднева, также исполненной впервые. Следующее путешествие на остров гитарной радости – в декабре.

«Стираю весь защитный слой с себя самой…»

В Малом зале РАМ им. Гнесиных состоялся авторский вечер доцента академии, пианистки и композитора Анны Пак.

Анна Пак

В программу вошли не только музыкальные композиции, но и стихи собственного сочинения А. Пак, которые служили своего рода эпиграфом к каждому опусу. Музыку и поэзию дополняли хореографические зарисовки в исполнении Анны Меловатской и артистов театра-студии «Пластика звука»: Алсу Ишмаевой, Владислава Мешкова, Надежды Сафроновой, Ольги Фомичевой и Евгении Якимовой.

Артисты театра-студии «Пластика звука»

Стихотворения А. Пак настолько просты и понятны, что каждая строчка эхом отзывается в сердце. Вдруг понимаешь, что переживал то же самое, что и автор, будь то горе потери или радость встречи.  

Стираю весь защитный слой

С себя самой

Ребром монеты.

Уже задеты

Добро со злом тугим узлом,

А дальше –

Липкий слой из фальши,

За ним – все ужасы, что снятся мне 

В кошмарном сне,

Весь этот ад!

Назад!

Но нет, еще остался

(туда никто не добирался)

Последний слой –

Прозрачный, чистый,

На солнце – даже золотистый…

Но и его – долой!

На концерте звучала фортепианная музыка в исполнении А. Пак, а также аранжировки для инструментального ансамбля в составе студентов и выпускников Гнесинки: Катерина Пащенко (флейта), Теймур Ахундов (кларнет), Виктор Омельянович (ударные), Станислав Бетер (контрабас).

Общее настроение вечера можно определить как элегическое или меланхоличное. Некоторые композиции были пронизаны щемящей тоской и болью, но даже в них ощущалась жизненная энергия и постоянная устремленность к чему-то иному, неизведанному.

Именно эти ощущения отражает сочинение «Дорога и храм», посвященное памяти профессора РАМ им. Гнесиных Людмилы Васильевны Артемьевой. Крайние части – всплеск тех эмоций, которые охватывают после потери близкого человека. Беспокойство и тоска сменились гимном жизни и всему живому. Тема средней части берет свое начало из мажорного хорала, который в процессе развития изменяется до неузнаваемости и превращается в бушующий поток энергии.

Памяти Л.В. Артемьевой

Мы медленно шли к остановке

И долго ждали троллейбус.

По жизни мы шли без страховки

Разгадывать смерти ребус.

Вы новости мне читали,

Что плыли бегущей строкою,

Сидели мы на причале,

И вечность была рекою,

И Слово было в начале.

В «Фантазии на тему Баха» А. Пак мастерски обыгрывает известную тему Сарабанды из Французской сюиты до минор, обнажая интонации мелодии до такой степени, что она приобретает романтичный, мечтательный характер.

И лишь последний номер несколько выбивался из общего ряда. Концерт завершился яркой, ироничной композицией под названием «Клоуны», которую А. Пак посвятила студентам и педагогам по классу фортепиано. В начале звучит жалобная мелодия, за которой следует насмешливая, тема, напоминающая «Клоунов» Д. Кабалевского и музыку из потешных куплетов.

Несмотря на общую лирическую тональность концерта, его драматургия оказалась на редкость ясной и целеустремленной: даже без объявления отдельных номеров слушатели не потеряли нить образов, сотканных из слова, музыки и пластики.

«Последние пять лет» на Таганке

Мюзикл Джейcона Роберта Брауна «Последние пять лет» в театре на Таганке – премьерный спектакль, который можно будет увидеть и в декабре.

Алексей Франдетти – молодой режиссер, который уже успел сделать много интересного на театральных сценах Москвы и даже получил три золотые маски за мюзикл «Суинни Тодд» в Театре на Таганке. Хоррор о цирюльнике-убийце идет в большом зале театра, и уже здесь Франдетти зарекомендовал себя как мастер модного сейчас иммерсивного искусства: зрители, сидя не в скучных креслах, а прямо вокруг вымощенной сцены, участвуют в представлении. 

Что же до «Последних пяти лет» американского композитора и обладателя премии «Тони» Джейсона Роберта Брауна, то это еще один удачный эксперимент режиссера в жанре мюзикла, только теперь на камерной сцене. Франдетти обратился к сюжету о среднестатистической паре, отношения которой с момента первого свидания и до болезненного расставания разворачиваются перед зрителем. Причины нарастающего конфликта типичны – непонимание между Марсом и Венерой, амбиции, которые превалируют над любовью.

Директор театра Ирина Апексимова в режиссера поверила. Так в скромных условиях маленького зала появилась русская версия спектакля, который собрал аншлаги в Нью-Йорке, Лондоне (литературный перевод Игорь Гатин). На сцене – только Кэти (Марфа Кольцова) и Джейми (Павел Левкин). Качественно проработанная интерактивная сценография помогла визуально увеличить сцену и сделать из крохотного пространства кинематографичный Манхэттен, где и на железную лестницу можно забраться (как в «Завтраке у Тиффани»), и отпраздновать свадьбу, и послушать вечерний дождь. Зрители находятся в квартирах Кэтти и Джейми одновременно, наблюдают за их эмоциями, бытом. Зритель оказывается совсем рядом: туалетный столик прелестной Кэти – за пределами сцены, прямо перед зрителем, там же – новый бизнес-проект героя.

Музыка Брауна в руках Pogosyan Оrchestra звучит фирменно. Фортепиано, скрипка, виолончель, гитара и бас играют живьем, но в студии, а не на сцене. Музыкантов видно на экране и выходят они вместе с руководителем Арменом Погосяном лишь на поклон. Франдетти тоже выходит, выражая зрителям благодарность за то, что пришли. «Если не трудно, расскажите о спектакле в соцсетях, – говорит он, – ну только по-хорошему, конечно». 

«Последние пять лет» – для Джейсона Роберта Брауна вещь отчасти личная, ведь написал он этот мюзикл, основываясь на опыте собственных неудачных отношений с супругой. Козырь спектакля в том, что он задевает за живое – узнать здесь себя не представляет труда. Но это не только про «умирающие» отношения, а про мечты и карьеру, женскую и мужску сущность, про вечное и самое проблемное. А юмор, сильная актерская игра и хорошая музыка – очень приятное дополнение этой истории.

Светить всегда

В рамках просветительского проекта «Творчество композиторов-гнесинцев» при поддержке оркестрового, народного и вокального факультетов РАМ им. Гнесиных прошел творческий вечер Екатерины Павлюченко «Светить всегда». Ведущей и организатором концерта в Малом зале академии стала преподаватель кафедры теории музыки Ирина Сергеевна Захарбекова.  Исполнители – студенты-гнесинцы, а публику составили люди разных возрастов и интересов. Они пришли послушать произведения молодого автора, многие из которых прозвучали впервые.

Екатерина Павлюченко – выпускница РАМ им. Гнесиных, лауреат международных и всероссийских конкурсов по композиции. Она пишет симфоническую, камерно-инструментальную и вокальную музыку, а также музыку к драматическим спектаклям. Произведений в программе было немного – всего четыре, но зато весомых и зрелых. Открыл творческий вечер смелый, солнечный и жизнеутверждающий концерт для фортепиано с оркестром. Его первую часть в переложении для фортепиано исполнили Иван Тихомиров и Зоя Донцова. Затем прозвучал «Триптих» для трех труб и двух балалаек. Необычное сочетание медных и струнных народных звучало весьма убедительно, выявляя мелодические качества музыки; прекрасно выстроен баланс между инструментами. А «Былина» для гобоя и арфы внесла фольклорный оттенок в «тональность» концерта. 

Кульминацией вечера стал вокальный цикл «Слова-кирпичи» на стихи В. Маяковского для меццо-сопрано, баритона, ударных и рояля. В нем использованы известные стихотворения «Секрет молодости», «Скрипка и немножко нервно», поэмы «Во весь голос» и «Облако в штанах». Важно отметить, что это произведение Е. Павлюченко очень сложное и требует от исполнителя не только музыкального, но и актерского мастерства. Солисты Анна Щербакова и Тимур Кожобеков достойно справились со своими задачами. В их исполнении решительная, четко артикулированная декламация естественно сменялась нежной лирикой. Композитор продемонстрировала тонкое понимание поэзии, что бывает очень не часто. Музыка чутко следовала за словом, а слово становилось музыкой. 

После концерта Екатерина Павлюченко поделилась воспоминаниями детства и юности инекоторыми соображениями о своем творческом методе.

Какие впечатления от сегодняшнего творческого вечера? И как изменились Ваши ощущения после окончания академии? 

Это не первый мой авторский концерт и ощущения, что я как-то стала старше, к сожалению, нет. Наоборот, иногда думаю, что в душе я ребенок. Не могу сказать, что повзрослела. Сейчас давала автограф дирижеру, и для меня это было впервые, как и давать интервью, так как я считаю, что композитор должен давать интервью, когда он уже седой, в летах, а я еще чувствую себя озорной девчонкой.

Как возникла идея концерта? 

Помогла Ирина Сергеевна Захарбекова, она очень хотела, чтобы моя музыка звучала. Я очень люблю Ирину Сергеевну, мы вместе учились на одном курсе. Она мой лучший друг. Не люблю слово «подруга», их бывает много, а она настоящий друг. Если б не она, этот концерт не состоялся. Большое ей спасибо.

В одном из произведений необычное тембровое сочетание – балалайки и трубы. Как оно появилось? Эксперимент?

Эксперимента не было. Всегда пишу только то, что слышу. У меня возникают образы, которые я слышу и вижу, так как очень хорошо развито визуальное видение и образное мышление. Когда-то я окончила художественную школу, и преподаватели хотели, чтобы я продолжила учиться. Была такая ситуация, что приходилось выбирать, куда поступать. Поэтому когда я вижу картины, какой-то образ, этот образ и работает. Дальше просто остается его зафиксировать нотами. Я в детстве хотела стать как Чюрлёнис: писать картины и музыку. Периодически получается что-то такое делать. Увлечение писать картины пока так и остается увлечением, потому что нужно учиться. Не должно быть, как некоторые: намалюют что-то и всё, «художники». Всему надо учиться. Поэтому я не говорю, что я художник, просто любительски что-то там рисую. Профессионально я композитор.

Вокальный цикл «Слова-кирпичи» вдохновлен творчеством В. Маяковского, это ваш любимый поэт. Какой он для вас?

Он для меня в первую очередь сильный, работящий, мужественный, патриотичный и нежно любящий. Глыба, которая может любить. Кстати, из поэтов мне не только Маяковский нравится, я увлекалась Зинаидой Гиппиус. Нельзя брать только Маяковского, он не единственный. Также про композиторов спрашивают. У меня с детства любимый был всегда Римский-Корсаков. Я очень люблю «Снегурочку» и «Царскую невесту». Римский-Корсаков с детства был учитель, у которого я бы хотела учиться. В колледже композицию мне преподавал Андрей Иванович Головин, его композиторские корни восходят к Римскому-Корсакову. И получается так, что когда я поступила к Кириллу Евгеньевичу Волкову, я, таким образом, всё-таки поучилась у Николая Андреевича, потому что Кирилл Евгеньевич часто приводил в пример своего педагога Арама Ильича Хачатуряна, который учился у Николая Яковлевича Мясковского, а тот – у Римского-Корсакова.

Искусство обречено быть свободным

«Ложная радикальность завела нас в центробежные пространства, витальный рывок возвращает нас к реальности. Все вновь становится настоящим, заново наделяется смыслом, обуздав идефикс иллюзорности истории, внезапного краха времени и реального».

Жан Бодрийяр «Экстаз и инерция»

9 ноября 2019 года в Гоголь-центре состоялась премьера спектакля «Барокко» Кирилла Серебренникова. Это масштабный проект, который сочетает в себе как глубокие философские идеи, так и практически все виды искусства. Фантастическое воплощение идеи протеста и борьбы интеллигента-космополита, не понимаемого и не принимаемого обществом, борьбы за физическую и духовную свободу. В исполнении певцов и музыкантов звучит восхитительная музыка эпохи барокко (в частности талантливая аранжировка танца дикарей и дуэта Зимы и Адарио из оперы-балета «Галантная Индия» Ж. Ф. Рамо, ария «Armatae face et anguibus» из оратории А. Вивальди «Торжествующая Юдифь», шедевры Й. Генделя, К. Монтеверди, Г. Перселла, Ж. Б. Люлли, И. С. Баха и других композиторов), наряду с элементами джаза и кабаре. Стоит отметить и высочайшее мастерство исполнителей, «проживающих» в роли каждую секунду спектакля. Все это складывается из коллажа сцен в единый пазл в восприятии зрителя.

«Fire!» — гласит табличка в руках лирического героя «Барокко». Огонь становится сквозной линией, спектакля, трансформируясь в идею факела, идущую, пожалуй, от легенды о Данко, вырвавшем сердце чтобы осветить дорогу: «– Идем! – крикнул Данко и бросился вперед на свое место, высоко держа горящее сердце и освещая этим факелом великой любви путь людям». Но герой «Барокко», как и Данко остался чуждым для большинства, предпочитающего рабство духа, свободе слова.

Идея эта во многом симптоматична, и в мировой истории мы также встречаем акты самоубийств в различной форме с целью привлечь внимание общества к проблемам, борьбы индивида во имя справедливости. В спектакле – это образ Яна Палаха, совершившего самосожжение в знак протеста против оккупации Чехословакии войсками Варшавского договора в 1968 году. Прошло полвека, но протест не теряет своей актуальности по всему земному шару, и даже набирают обороты. Ежедневно на улицах различных городов мира выходят борцы за идеалы, провозглашенные Великой Французской революцией, люди, не побоявшиеся выразить своё мнение публично, пойти против большинства. Но будут ли они услышаны? Вопрос риторический.

В «Барокко» звучат тексты философов, художников и общественных деятелей середины ХХ века отражающие в частности, нонконформистский посыл. Лейтмотивом звучит лозунг «Требуй невозможного!», в связи с чем невольно вспоминается высказывание Н. Бердяева: «Свобода не легка, свобода трудна, она тяжелое бремя. И люди легко отказываются от свободы, чтобы облегчить себя…». Однако, динамика действия не позволяет погрузиться в раздумья о вечных проблемах. 

И вот на сцене аллюзия на драматичную историю, связанную с покушением на Энди Уорхола писательницы-феминистки Валери Соланас, стрелявшей в художника. Сумрачный, блестящий, пылающий свет, озаряющий обнаженные тела актеров, красивые, словно ожившие статуи Микеланджело, но двигающиеся как сломанный механизм. А параллельно, певцы озвучивают идеи радикального феминизма из «Манифеста общества полного уничтожения мужчин» (SCUM) той самой Соланас. Прием «отвратительно-возвышенный» по выражению Ницше, но несомненно действенный. Зритель не может оторвать взор и одновременно содрогается, так близок он «к небу и аду». В какой-то момент происходящее словно превращается в аллегорический «натюрморт», столь характерный для эпохи барокко. Границы размываются, действительность становится галлюцинацией… но лишь на мгновение. 

Картинка вновь меняется и перед нами пианист, пристегнутый наручниками к стражу порядка. Он садится за рояль. Звучит Чакона Баха d-moll в переложении Й. Брамса для левой руки. Трагичная, суровая, устремляющая мгновение в вечность, являющая собой «гимн концепции преображения, завершающий страдание, шествие на Голгофу, распятие и смерть». Время растворяется, и зритель погружается в непрерывный звуковой поток. Искусство становится расстоянием, удаляющим от героя страдания, оно делает его бессмертным. Но вот темп ускоряется, диссонирующие пассажи увеличивают диапазон звучания, в последний раз проводится основная тема, аркой восходящая к началу. Музыка отыграла, пианист под стражей покидает сцену, оставляя перед замершим заломвопросы о своей судьбе.

Заключительный эпизод – картина взрыва, открывающаяся под соло трубы и сопровождаемая лирической проникновенной сопрановой арией. Невольно в голове проносится вопрос: Наш мир спасет красота… Ядерного взрыва? А на экране в приближении летят осколки и пылает огонь. Огонь! -Fire! – Факел… И мы вернулись к началу…

Нельзя не согласиться с А. Камю, считавшим, что величие настоящего искусства состоит «в вечной напряженной раздвоенности между красотой и страданием, любовью к людям и страстью к творчеству, мукой одиночества и раздражением от толпы, бунтом и согласием. На гребне хребта, по которому идет вперед большой художник, каждый шаг — приключение, величайший риск. В этом риске и заключается свобода искусства». Именно по этому пути идет Кирилл Серебренников, поднимая острые, провокационные, подчас очень «неприятные» вопросы перед зрителем и оставляя его в глубоких размышлениях после спектакля.

Текст: Вера Саранча

Фото: https://gogolcenter.com/events/barokko/