Своими глазами

Глубина познания концертного фотоснимка

Краткий гид для тех, кто хочет научиться фотографировать живые концерты

Эмоции артистов и настроение публики, креативная подсветка сцены и хаотичные огни зажигалок и телефонов в зале  – жанр «концертная фотография» позволяет фотографу запечатлеть все нюансы живого концерта, зафиксировать исторически важное музыкальное событие. Оттачивая свои навыки и умения, он находит уникальный почерк – визуальный стиль, побуждая зрителя заинтересоваться не только минувшим (или будущим) концертом, но и самим жанром концертной фотографии.

С каждым годом пополняются ряды фотографов, работающих в этом узком направлении: новички перенимают опыт «старших», познают особенности жанра, сталкиваются со сложностями и знакомят нас с миром музыкального искусства через призму собственного восприятия и объектива. Любители/дилетанты восполняют свои пробелы в этой профессиональной деятельности, стремясь к совершенству; мастера фотоискусства творят, искусно применяя накопленные знания на практике.

Для каждого – свой путь. У каждого – свои секреты мастерства. Но  вселенная под названием «Концертная фотография» держится на нескольких китах – базовых правилах съемки.

«Бег» в ручном режиме

Многие фотографы как мантру повторяют одно и то же: необходимо фотографировать в ручном режиме. Самое важное – знать настройки фотоаппарата как свои пять пальцев. С параметрами ISO, диафрагмы, выдержки необходимо обращаться бережно. Максимально откроешь диафрагму – получишь маленькую глубину резкости изображения, и наоборот. Однако в первом случае будет ярче выделяться объект на размытом фоне.

С выдержкой дела обстоят иначе: длинная поможет подчеркнуть движение объектов, – например, когда музыкант активно передвигается по сцене. В таком случае понадобятся выдержки короче 1/160 сек. Или, скажем, если необходимо зафиксировать хедбэнгинг*, то лучше использовать выдержки короче 1/400 сек.

Короткая выдержка позволит «остановить» мгновение: движущийся объект будто застывает.

Широкую диафрагму (f/4 – f/8) и индивидуальную выдержку (в зависимости от того, что именно планируется запечатлеть) многие фотографы считают самыми важными параметрами для работы.

Выбор чувствительности ISO влияет на нюансы качества изображения. Высокие значения ISO (от 800) необходимы для выставления правильной экспозиции кадра, однако при повышении чувствительности могут появиться цифровые шумы. Тогда для получения качественного кадра нам понадобится программа для шумоподавления (здравствуй, Photoshop).

Безусловно, все эти параметры настраиваются уже на месте. Тут и проявляется мастерство фотографа. Может, не с первого снимка, и даже не с тридцатого, но уже на сороковом все начинает происходить в правильном темпе. Главное – не поддаться панике и продолжать творить, умело задействуя собственную фантазию и другие настройки фототехники. Глядишь, и боке (размытый фон) или ББ (баланс белого), что долго не получались, удастся сделать и представить в оригинальном формате.

*хедбэнгинг– сильная тряска головой в такт музыке. Как правило, популярен на концертах тяжелой музыки.

Шумы во время шума

Концерт в самом разгаре. Все параметры фотоаппарата настроены, первые «пробники» сделаны. Просматриваешь их мельком – и  замечаешь цифровой шум на кадре. Такое явление часто появляется из-за недостатка освещения, а также при использовании высокого значения ISO. Конечно, лучше стремиться снимать при низких значениях чувствительности, что возможно при использовании соответствующей светосильной оптики (скажем, зум-объективы 24–70 и 70–200 мм с диафрагмой 2,8, или «фикс» 50мм f/1.4). Но если стоит выбор между цифровым шумом (при отсутствии вышеуказанной техники) или смазанностью кадра, все-таки выбираешь первое. Да, всё можно исправить в фоторедакторе, однако это намного сложнее, чем избавиться от шумов при съемке. Фотографы утверждают: «Лучше цифровой шум, чем расплывчатое изображение!»

В этой нелегкой борьбе помогают различные фильтры и плагины, которые позволяют устранить нежелательный эффект. Однако перебарщивать с шумоподавлением не стоит. Достаточно сгладить градиент: так сказать, придать легкую аккуратность кадру, при этом сохраняя естественную непринужденность и ощущение реалистичного изображения. Также небольшое добавление шумоподавления придаст фотографии оттенок фактурности.

Еще может помочь и встроенная вспышка, однако не все музыканты ее любят. Если не было запрета на использование вспышки во время концерта, то необходимо ей воспользоваться – аккуратно, не «мозоля» глаза выступающим.

Про ретушь и не только

Разбор отснятого материала и доскональная проработка исходников до мельчайших деталей часто приводят к досадному итогу: здесь чересчур пригладят морщины, там слишком вытянут кадр. Это результат злоупотребления ретушью, желания «скорректировать» запечатленное до максимума. Мастер-ретушер использует и обилие чудных (ударение для каждого свое) фильтров, и всевозможные наслоения, и массу других эффектных примочек. Нужен ли подобный набор для концертного фоторепортажа? Стоит ли вдаваться в дебри Photoshop?

Эти вопросы сегодня особенно актуальны. С одной стороны, возможности программы многогранны: что-что, а полезные функции там находятся. Но если оглянуться на прошлое столетие, то о подобных умных средствах (и, тем более, программах) не было и речи: мастера старались ориентироваться на собственные знания, умения, и в то же время обучиться ремеслу с позиции профессионала. И ведь учились они этому на самых ранних образцах фототехники: Kodak со встроенным механизмом установки и перемотки пленки, или немецкие фотоаппараты Super Altissa и Vredeborch Stafetta-duo, и лишь позднее появятся небезызвестные малоформатные камеры Leica. Если рассматривать отечественную фототехнику, то многие фотографы начинали с АРФО – первого складного пластиночного шкального фотоаппарата*, затем в ход пошли также малоформатные версии: ФЭД (копия немецкого фотоаппарата Leica II), Лилипут, Репортёр, Смена, Зоркий, Москва-5, Зенит и др. Орудуя неизменным пленочным атрибутом, а после, сконцентрировавшись на непростом процессе проявления фотопленки, – от элементарного подбора определенных фотореактивов, различных смешиваний с водой (проявителя, «бликса» или «фиксажа») до дальнейшей, скрупулезной работы с катушкой (при абсолютной темноте), они являли «свету» свои уникальные снимки.

Отрекаясь от погони за идеальной картинкой, фотографы стремились передать в кадре реальный мир, и у них это получалось. В их кадрах главное – композиция: каждый запечатленный элемент был на своем месте, а неизменным сюжетным центром оставались музыканты. Именно благодаря композиции сохраняется целостность, уравновешенность, логика снимка. Но важно уметь грамотно и интересно оформить кадр. Неожиданный ракурс, контраст объекта и фона, разнообразные планы, текстуры и многое другое – все это также необходимо для создания «того самого», идеального кадра.

*шкальный фотоаппарат – разновидность фотокамер. Наводка на резкость в таких камерах осуществляется по шкале расстояний. На последней указывается расстояние от фотоматериала до объекта съемки в метрах или футах.


Фото: Adam Elmakias

About the author

Archive | + posts

Чтобы просмотреть все записи автора, нажмите на Archive

Вам также может понравиться...