Адаптации литературных произведений на театральной сцене — это всегда непросто. Одни постановки находят неожиданные смысловые акценты, смещая фокус на второстепенных персонажей, выявляя неожиданные подтексты и позволяя взглянуть на знакомый сюжет под другим углом. Другие же ограничиваются механическим сокращением и упрощением сюжета, превращая его в сжатый и переиначенный пересказ. «Князь Серебряный» Московского театра оперетты относится скорее ко второму типу: вместо того чтобы раскрыть новые грани истории, в постановке значительно урезали первоисточник, из-за чего теряется первоначальная глубина и драматический потенциал произведения.

Композитор Аркадий Укупник создал партитуру, в которой сочетаются широкая русская напевность и современное «бродвейское» звучание. Это музыкальный материал без крайностей — эмоционально ровный, за исключением отдельных особо драматичных, преимущественно сольных сцен (связанных с персонажами Вяземского и Ивана Грозного, Елены) и динамичных, будто заигрывающих хоровых. 

Постановщик и балетмейстер спектакля — заслуженный деятель искусств России Валерий Архипов. Его режиссура отличается масштабностью и вниманием к деталям: зрелищность выходит на первый план. Хореографическая работа впечатляет — массовые сцены органично вплетаются в повествование, будь то напряженные придворные танцы, с оттенками скрытой агрессии и внешнего покорства, или мистические ритуалы, погружающие в атмосферу древних поверий.

Визуальный облик спектакля создан народным художником России Вячеславом Окуневым. Декорации с размахом реконструируют мир XVI века, эффектно чередуя мрачные, гнетущие пространства царского двора с просторными, наполненными мистикой лесными сценами. Все конструкции подвижные, они смотрятся выигрышно в стремительно несущемся действии. Световые решения и глубина сценографии усиливают драматизм происходящего, раскрывая яркие визуальные образы. Исторические костюмы создают дополнительный пласт художественного образа спектакля. Встречаются и интересные находки: в сценах колдовства у лесной нечисти в руках светящиеся шарики, символизирующие мерцающие огни.

 «Князь Серебряный», в целом, неплох. В нем всё, вроде бы, на своих местах — качественный вокал и актерская игра, образцовое звучание оркестра, отличный визуал. Повезло и с кастом. Алёна Голубева (Елена) впечатлила чистотой и легкостью тембра, прекрасно передав нежность и ласковость героини. Иван Викулов в роли князя Серебряного звучал героически благородно, но Леонид Бахталин (Вяземский) все же затмил персонажа первого плана, во многом за счет выразительного тембра. В числе других достоинств спектакля — мужской вокальный ансамбль: по-настоящему сильные красивые академические голоса, демонстрирующие филигранную точность интонирования и создающие прозрачную фактуру. 

Основные вопросы вызывает работа с сюжетом.  Понятно, что вместить масштабный роман Алексея Толстого чуть меньше чем в три часа сценического времени — задача непростая, но редуцирование некоторых сюжетных линий лишает главных героев глубины, превращая их в картонные фигуры. Характеры и мотивы оказываются недостаточно раскрыты, из-за чего действующие лица выглядят скорее как функции повествования — персонажи, чья основная роль сводится к тому, чтобы просто двигать сюжет вперед, а не жить в нем. Сюжетная линия опричников ограничивается чем-то вроде комик-релиф вставок. Перестановка сцены «поцелуйного обряда» и разговора Елены с князем Серебряным, с одной стороны, не так сильно влияет на общий поток событий, но после их дуэта развитие становится слишком быстрым — не успеваешь прочувствовать драматичность и трагедию, заложенные в отношениях героев. Следующая затем быстрая развязка с Морозовым и опричниками тоже должна ощущаться гораздо весомее. В этом плане трио в конце первого действия немного «притормаживает» стремительную событийную гонку.  В итоге слегка рваное повествование приобретает привкус «неправдивости». А Елена и Серебряный — комплексные, многослойные образы — оказываются вдавлены в шаблон героев-любовников. 

На этом фоне самым объемным и интересным образом оказывается князь Вяземский. Он безусловный антагонист, жестокий и коварный, но при этом фигура неоднозначная. Несмотря на злодейскую сущность, в характере Вяземского есть нечто человеческое, живое, настоящее: сомнения, страх, страсть. Его поступки вызывают эмоции, а не просто следуют заданной фабуле.  

Еще одно из заметных преобразований в сюжете — замена Мельника на двух других персонажей. Вместо него в спектакле появилась безымянная лесная Колдунья, а в пару к ней добавили ведунью при дворе Грозного — Мануйлиху. Новые героини хорошо вписались в действие, но в результате архетип мельника-колдуна, важный для атмосферы оригинального произведения, оказался утрачен. При этом на сцене нет ни мельницы, ни даже намека на нее, но во втором действии лесную Колдунью почему-то называют мельничихой, что создает определенную путаницу.  

Отдельный вопрос — финал. «Князь Серебряный» как будто боится быть серьезным. Счастливая концовка появляется буквально из ниоткуда, выбиваясь из общего тона повествования. Возможно, это связано с жанровыми требованиями, но все же выглядит несколько неожиданно. Вместо сильной драматургической искры, которая могла бы сделать историю на сцене по-настоящему захватывающей, зритель получает красиво оформленный, но местами эмоционально приглушенный спектакль.

Фотографии из официального сообщества Московского театра оперетты ВКонтакте