Рубрика: Своими глазами

Самые яркие репортажи

Юбилей во время карантина

В 2020 году исполняется 250 лет со дня рождения Людвига ван Бетховена. Одним из заметных юбилейных событий стала постановка оперы «Фиделио» в венском Театре ан дер Вин. 

Именно здесь в 1805 году композитор представил первую версию своей единственной оперы. Премьера завершилась провалом. «Фиделио» Бетховен считал вершиной своего творчества, но ему пришлось редактировать произведение несколько раз, прежде чем публика его наконец-то оценила. Опера, у которой три редакции и четыре увертюры, была вновь поставлена на своей исторической сцене легендарным австрийским актером и режиссером Кристофом Вальцем. 

Как известно, в основе сюжета лежат две смысловые линии. Первая, наиболее очевидная и отраженная в названии, показывает любовь, верность и самоотверженность главной героини. Вторая, несколько завуалированная, раскрывает жестокую правду политического мира. 

Интриги, борьба за власть, невинные жертвы – скрытая сторона политики всегда привлекала внимание постановщиков. За всю историю постановок «Фиделио» события оперы (изначально, времен Великой французской революции) переносились и в Испанию времен Наполеона, и в фашистский концлагерь. Вальц, в свою очередь, переместил «время и место» в условный XX век. 

Одев всех персонажей в одного и тоже кроя рубашки и брюки, художник по костюмам Джудит Хольсте все же подчеркнуа «классовое» неравенство с помощью цветов и фактуры. Начальник тюрьмы и министр Фернандо — в светлых френчах из плотной ткани, напоминающих форму многих диктаторов прошлого столетия, а на подчинённых и узниках – темная бесформенная одежда, вызывающая ассоциации с арестантскими робами.

Сценография этой постановки предельно минималистична. Из декораций – только широкие винтовые лестницы холодного серо-белого цвета, уходящие вверх. Изменения сценического пространства происходят исключительно с помощью света (Генри Брэхам). Так, ступени, на которых Марселина признается в любви Фиделио, превращаются в лестницу, ведущую в карцер с умирающим Флорестаном. 

В заглавной партии – американское сопрано Николь Шевалье, у которой солидный опыт в исполнении немецкого репертуара (несколько лет певица  была солисткой Komische Oper Berlin). Ее Леонора – это, в первую очередь, борец. Неслучайно в ариях этой поистине бетховенской героини гораздо больше мужественности, решительности и даже жесткости, чем у типичных женских персонажей того времени. Именно эти качества подчеркнуты в интерпретации Шевалье. Леонора сражается за свою любовь, но в то же время она как будто является alter ego самого Флорестана – борца против произвола и насилия. Флорестан же (американец Эрик Катлер) в этой постановке изображен, прежде всего, как страдалец и жертва: он еще не сломлен, но силы для борьбы уже иссякли. 

Интересна трактовка Рокко в исполнении Кристофа Шифессера. Характер этого героя, как и его поступки, довольно противоречив, но все же он, скорее, вызывает симпатию (в том числе и благодаря глубокому бархатному тембру певца), нежели презрение. Совершенно иначе воспринимается дон Пиззаро в исполнении Габора Бреца. Всем своим видом – через мимику, жесты, позы – он провоцирует ненависть зрителя. 

Как и задумывалось Бетховеном, драматический сюжет оттеняет любовная пара родом из австрийского зингшпиля – своенравная Марселина (Мелисса Пети) и добивающийся ее расположения Жакино (Бенджамин Хьюлетт). 

Звёздный состав вокалистов дополняет Венский симфонический оркестр под управлением Манфреда Хонека, мастерство и чувство стиля которых вполне очевидны уже во время исполнения увертюры. И здесь, и в последующих оркестровых эпизодах музыканты демонстрируют главные бетховенские качества: напряженную тематическую работу, размах симфонического развития, динамические контрасты – например, мощные крещендо в сочетании с предельно осторожным пиано. Кроме того, дирижер очень точно выстраивает звуковой баланс и внутри оркестра, и в диалоге с солистами. 

2020 год теперь ассоциируется не только с именем Бетховена, но и с пресловутой «самоизоляцией». К моменту запланированной премьеры работа театров в Германии была уже остановлена. Тем не менее, показ спектакля состоялся. Вот только публики в театре не было: зрители смотрели трансляцию из дома, а создатели оперы вместе с артистами сами наградили себя аплодисментами – на сцене, в непринужденной рабочей обстановке. 

За закрытыми дверями

«Бункер» – новая арт-площадка Москвы, позиционирующая себя как театр классического иммерсива. Не так давно пространство «Бункера-703» являлось архивом, где хранили документы и материалы особой государственной важности, но сейчас любой желающий может спуститься на глубину 43 метра и проникнуться атмосферой бывшего спецхрана. 

Неоспоримым преимуществом этого театра является полная отрешенность от городской суеты: не слышен шум мегаполиса, нет мобильной связи. В репертуаре «Бункера» всего несколько спектаклей, но они подобраны так, чтобы можно было полностью погрузиться в действо. «Дорогие зрители, можете не отключать звук на своих мобильных телефонах, до вас все равно никто не сможет дозвониться…»

Спектакль «За закрытыми дверями» поставлен режиссером Инной Дуниной по одноименной пьесе Жана-Поля Сартра, известного писателя и философа-экзистенциалиста. Он считал, что человек самостоятельно делает выбор и становится кем-то. В своей пьесе Сартр обращается к внутреннему миру героев, обнажая их пороки, и ставит перед читателем вопрос: «Какой смысл того, чем я занимаюсь, если меня скоро забудут?»

Несколько шагов вниз по узкой металлической винтовой лестнице, и в нос ударяет затхлый запах подвального помещения. Вокруг – серые обшарпанные стены бункера с облупленными кусками краски и шахта неработающего лифта, глубоко уходящая вниз. «Не перелезайте перила! Сетка не выдержит ваш вес. Лететь долго», – предупреждает табличка.

Издалека доносятся звуки скрипки – пока не разобрать что звучит, поэтому продолжаем спуск. Спустя пару минут музыка становится все громче и возникает вопрос: а не сам ли «скрипач дьявола», Паганини, играет? На фоне музыки грохочущим эхом раздаются шаги заинтригованных зрителей, желающих поскорее оказаться внизу. Длинный коридор (ржавые потеки на стенах напоминают кровь, на полу лужи, слышны лишь неуверенные шаги и негромкие голоса зрителей) приводит к «зрительному залу».

Здесь гостей встречает мужчина в сюртуке с побеленным лицом (как потом оказалось, это герой пьесы – коридорный). Коридорный (Виктор Сапелкин) является проводником в ад для героев пьесы, и зрители делят с ними пространство небольшой комнатки, где происходит все действие.

Мужчина по имени Гарсен (Евгений Терентьев) и две женщины – Инес (Виктория Черненко) и Эстель (Олеся Каширская) после смерти попадают в ад и оказываются в закрытом помещении с тремя дверями, где весь интерьер составляют лишь три кресла-мешка и нож для разрезания бумаги.

Журналист Гарсен при жизни жестко обращался со своей женой и проявлял трусость в ответственных ситуациях; богачка-искусительница Эстель убила собственного ребенка, выкинув его из окна, и довела до самоубийства любовника; почтовая служащая Инес увела у своего кузена его подругу, после чего тот бросился под трамвай, а девушка, не простив этого Инес, отравила себя и ее газом.

Актеры настолько вжились в свои роли, что, благодаря их игре, зрители ощутили чуть ли не весь спектр деструктивных эмоций: жалость к Гарсену, злость к Эстель и отвращение к Инес. 

Гарсен – Евгений Терентьев, Инес – Виктория Черненко, Эстель – Олеся Каширская

Срываясь на крик, истерично смеясь и временами пытаясь забыться, герои проживают то ли один день, то ли несколько лет – непонятно, потому что в аду нет представлений о дне и ночи, а свет горит постоянно.

Закрытое пространство, адская духота и жар накаляют обстановку до предела. Эстель, схватив нож для разрезания бумаги, несколько раз ударяет Инес в живот. Но герои понимают, что они изначально мертвы и убить друг друга не получится: в этой преисподней они будут существовать вечно.

Можно осуждать героев за их выбор и совершенные поступки, или наоборот, пытаться объяснить их действия, но эта пьеса точно не оставит вас равнодушным.

Фото: Алёна Емельяненко

Я БЫ ВО ФЛЕЙТИСТЫ ПОШЁЛ

Современные реалии флейтовой педагогики: c какими проблемами сталкиваются ученики музыкальных школ?

Детское музыкальное образование всегда было гордостью нашей страны. Но в последние годы всё чаще поднимается вопрос о сокращении и даже фактическом упразднении дополнительного обучения. Тем не менее, интерес к занятиям музыкой среди детей и их родителей не ослабевает. Один из самых популярных духовых инструментов — флейта. В музыкальных школах классы по флейте переполнены, а конкурс на поступление очень большой. За что маленькие музыканты так любят флейту и с какими трудностями сталкиваются в процессе обучения, выясняла Анастасия Деминская. Она побывала в Жуковской детской школе искусств №1, где пообщалась с педагогом Терезой Лолейт (ТЛ) и родителями двоих учеников: Екатериной Анатольевной (ЕА) и Еленой Юрьевной (ЕЮ).

Тереза Лолейт

Жизнь современных школьников расписана по минутам: после общеобразовательной школы ребята дополнительно занимаются спортом, иностранными языками, танцами, живописью или вокалом. Но даже определившись с направлением, например, с музыкой, человек вновь оказывается перед выбором: инструментов-то много! Самые популярные — фортепиано, скрипка и…  флейта. Родители 8-летней Сони и 11-летнего Леши рассказали свои истории.

ЕА (мама Сони) В 3.5 года мы пришли на подготовительное отделение в школе, где особое внимание уделялось пению и ритмике. Потом поступили на блокфлейту. Тогда и пал выбор на духовые инструменты. Уже в музыкальной школе пошли на саксофон. Сейчас я понимаю, это было жёстко — дать 6-летней девочке альт. Ей нравилось на нем играть, но начались проблемы со здоровьем. Из-за тяжести инструмента нам поставили диагноз сколиоз, стало падать зрение. Встал вопрос: либо мы совсем уходим, либо переводимся на другой инструмент. Почему флейта? Потому что мы были наслышаны о педагоге и решили пойти к нему. 

ЕА (мама Леши)  Когда Леше было 2-3 года, мы включали классическую музыку и стали замечать, что он «зависает». Сын мог просто сидеть и слушать. В три года сходили на «Лебединое озеро». Он посмотрел весь спектакль, не шевелясь. В 4.5 говорит: «Хочу на флейту». Какая флейта? Ладно бы фортепиано, но флейта? Мы даже не знали, что есть такой инструмент. 

Для обучения музыке необходимы слух, память, чувство ритма. Это способности общие, а есть ещё и специфические. Именно они показывают, к какому инструменту ребёнок больше предрасположен. О том, как проходит отбор, рассказала Тереза Лолейт: 

ТЛ Хотя и проверяют амбушюр, строение губ, челюсти, но по физическим данным предсказать нельзя почти ничего: у детей ещё нет половины зубов. Маленький ребёнок иногда даже не может интонировать, но это не значит, что у него плохой слух. Педагогу примерно через полгода становится понятно, что будет дальше. 

Оказывается, для успешного обучения важно не столько физическое, сколько психологическое состояние ребёнка. Окружающая его атмосфера сильно влияет на настрой. Ведь больше всего времени ученик проводит не в музыкальной школе, а в общеобразовательной и дома.

ТЛ Психологические качества, безусловно, важнее физиологических. Бывает, выходит маленький щупленький ребёнок и как начинает играть! А бывают крепкие физически дети, но ленивые, не занимаются. А сценическую устойчивость психики предугадать невозможно, пока он пару раз на сцену не выйдет. 

На флейту идут учиться в равном количестве и девочки, и мальчики. Хотя на раннем этапе разницу между ними выявить трудно, в дальнейшем она становится кардинальной. Педагогу необходимо учитывать физиологические и психологические особенности детей.

ТЛ С точки зрения физиологии, говорят, что для девочек более естественно грудо-брюшное дыхание. А психологически девочке важно знать, что она — хорошая, чувствовать себя уникальной и прекрасной. Тогда она хорошо играет на сцене. С мальчиками авторитет имеет большее значение. Они понимают, я педагог молодой. Иногда приходится выключать любовь к ним, потому что они садятся на шею. Мальчик любит, когда его хвалят за дело: вышел на сцену, сделал дело очень хорошо, и тогда понимает, что он молодец.

Итак, выбор сделан, способности и желание заниматься есть. Теперь надо найти общую тональность с педагогом — от этого тоже многое зависит. 

ТЛ Кому-то важнее, чтобы педагог был авторитетом для ребёнка, а кто-то считает, что педагог должен быть другом. По мне, нужен баланс. Если есть доверие, общение в приятном ключе, но нет авторитета, то ребёнок будет приходить к тебе как к другу, не выполняя обязательств. А если постоянно давить авторитетом, то ребёнок может эмоционально выгореть. Но когда ситуация выходит из-под контроля, надо ученика немного собирать. Я не стесняюсь их ругать, делать замечания, объяснять, как себя вести.

Флейта — один из самых техничных инструментов. Уже на ранних этапах обучения ребёнку приходится играть быстро.

ТЛ Когда для маленьких медников ещё сложно звукоизвлечение, флейтист уже должен учить довольно сложные произведения, играть двойным языком. Репертуар диктует скорость работы. Мы постоянно этим занимаемся, потому что нетехничный флейтист — это не флейтист. 

Чтобы флейтисту было легче осваивать и пальцевую технику, и дыхание, и постановку амбушюра, педагог должен грамотно построить занятия. И при этом учитывать особенности каждого ребёнка.

ТЛ Занятия в классе и дома должны быть одинаково качественными и приятными для слуха. В классе я больше заостряю внимание на звуке, интонации, соединении нот, потому что со стороны мне лучше слышно, а дома ребёнку некому в этом помочь. На флейте очень сложно красиво извлекать звук. Этот этап обучения долгий и тяжёлый. Также я объясняю, что духовой инструмент — тот, в который дуют, и поэтому мы должны правильно дышать. Бессмысленно брать в руки инструмент, если не понимаешь его природу. Дома же я прошу выучить текст. 

В советское время считалось, что обучение нужно начинать с блокфлейты. Это помогало поставить дыхание и выучить ноты. Однако на сегодняшний момент большинство молодых педагогов-духовиков пропускают подготовительный этап. 

ТЛ Я сразу учу на большой флейте. Когда дети начинают позже, они играют осознанно, но страдает техника. Чем раньше ребёнок начал играть на своём инструменте, тем быстрее у него разовьётся беглость. Уже в детском возрасте мышцы с каждым годом теряют свою эластичность. 

Игра на музыкальном инструменте — это навык, который нарабатывается не столько теорией, сколько постоянной практикой. Многие педагоги рекомендуют заниматься немного по времени, но ежедневно — ведь двух уроков в неделю недостаточно. Именно дома можно закрепить и продвинуть то, чему научился в школе. Родители Сони и Леши поделились опытом, как они организуют занятия со своими детьми.

ЕА У нас строгий режим, благодаря которому все получается. На первом месте школа, домашние задания, после — немного личного Сониного времени, а вечером занимаемся музыкой. И обязательно рано ложимся спать, в 9-10 часов. 

ЕЮ У нас бывают редкие моменты, когда Леша сам рвётся заниматься. Бывает и так, что ему неохота, но, «скрипя», начинает, расходится и играет в своё удовольствие. Самое забавное, что у Леши нет зависимости между тем, сколько он занимается, и как играет на концертах. Ему нравится выходить на сцену и не нравится репетировать. Сын хочет, чтобы — раз! — и все получилось. Произведения уже настолько сложные, что нет смысла над ним стоять. Надежда только на преподавателя. Но занимается Леша так, чтобы никто не слышал: например, на даче в бане. Он не любит показывать произведение в работе кому-либо кроме педагога и родителей. 

Важный вопрос — выбор программы. Её подбирает педагог, но пожелания ученика обычно тоже учитываются. Тут нужно и технику развивать, и для души что-то учить. Тереза Лолейт:

ТЛ Чаще я сама им проигрываю, иногда включаю запись. Бывает так, что ребёнок очень любит какое-то произведение, мечтает его сыграть. Он за это берётся с большим энтузиазмом. Но потом оказывается, что слушать ему нравится гораздо больше, чем исполнять. Одно произведение надо брать для развития слабых сторон, а для концертов то, что ребёнку подходит, чтобы он мог показать себя с лучшей стороны. Не надо ученику бороться с собой на сцене. 

Успех выступления в равной степени зависит как от качества выученной программы, так и от умения ребёнка справиться с волнением. 

ТЛ Перед зачётом дети обычно меньше волнуются, потому что обстановка спокойнее. А перед концертом их бывает легче настроить, потому что они чувствуют праздничную атмосферу. Я всегда стараюсь сделать так, чтобы для детей выход на сцену был сопряжён не только с волнением, но и с ощущением хорошо сделанного дела и чего-то радостного, что бывает не каждый день. 

Тереза Лолейт, Алексей Шуть (ученик), Илья Кронфельд (концертмейстер). 
Московский областной конкурс исполнителей на духовых инструментах, 11 марта 2020 года. Результат – III премия.

Когда исполнитель  выходит на сцену, он как будто «обнажается» перед большим количеством людей. Восприятие выступления музыканта предугадать невозможно. Дети переживают волнение по-разному.

ЕА Ей нравится выходить на сцену. Особенно, если она хорошо выглядит и уверено знает своё произведение. Соне хочется пококетничать. Перед экзаменами она волнуется сильнее, приходится больше её успокаивать и поддерживать. Один раз я видела, Соня стрессанула. Скорее всего из-за усталости, потому что это был третий концерт за неделю.

ЕА Выступать на концертах ему нравится. Своё волнение он не показывает. Я даже не знаю, когда Леша лучше играет: когда зыркает глазами по залу или смотрит в одну точку. У него правильное волнение. Он умеет переводить его в концертный кураж. Леша уже научился входить в образ. Он очень любит притягивать внимание большинства.

Допустим, что и как играть — понятно, а вот на чём? Сейчас проблем с выбором инструмента нет. Деревянные духовые производятся во многих странах Европы, Азии и Америки из различных материалов, с разными системами клапанов. И ценники у них разные. Конечно, и в этом вопросе помогает педагог.

ТЛ Я не рекомендую покупать китайские инструменты, стоящие 100 долларов. Это больше игрушка. Я озвучиваю родителям сумму около 30 тысяч рублей. Сейчас инструментов в магазинах огромное разнообразие. Регулярно появляются новые марки и модели, примерно одинаковые по качеству. Но все равно многие выбирают «Ямаху» не из-за звучания, а из-за более крепкой механики. 

Если у родителей нет возможности купить музыкальный инструмент, они могут взять его напрокат в музыкальной школе. Государство помогает периодически обновлять инструменты.

ТЛ В Московской области, например, была программа по закупке музыкальных инструментов. Они российской сборки из зарубежных деталей и вполне приличные. В нашей школе было куплено много новейших духовых, в том числе тех, которые у нас пока не преподаются.

То, чему научились, юные исполнители показывают на концертах и конкурсах, количество которых с каждым годом увеличивается. Тереза Лолейт поделилась своим мнением на этот счёт:

ТЛ Я в самом начале своего педагогического пути определила для себя, что не буду заниматься только конкурсами. Я ставлю перед ребёнком задачу стать хорошим концертным исполнителем. Не важно, играешь ты в классе, на зачёте педагогам, на школьном празднике, на сцене, конкурсе, игра не должна различаться.  Мне не нравится тенденция постоянного участия в конкурсах, привычки у публики видеть на афише перед твоим именем «лауреат международного конкурса». Концерт, в отличие от конкурса, остаётся у слушателей в памяти. Исполнитель должен выходить на сцену и трогать зал тем, что он делает, иначе в этом нет никакого смысла.

Так что же самое главное в преподавании и о чем надо помнить педагогам, родителям и ученикам?

ТЛ Даже трехлетний ребенок — уже личность, которую нужно уважать и не задевать. Многое зависит от семьи: необходимо ловить баланс между тем, что у ученика дома и что требует педагог. Подход к каждому ребёнку должен быть индивидуальным. Всех своих учеников надо любить безусловно. Нельзя заниматься с ребёнком, закрыв своё сердце. Каждый ученик, приходя к тебе на урок, должен знать, что ты его любишь. Не надо требовать от него взаимной любви с первого же урока. Родители очень активных детей часто меня спрашивают: «А как вы с ними справляетесь?» Я им отвечаю: «Вам ваши дети даны для жизненных уроков. А мне нет. Мы с ними должны стать большими друзьями. Возможно, когда-нибудь и они будут советчиками для меня». 

После окончания музыкальной школы у ребят есть выбор. Часть выпускников продолжает играть для себя, некоторые поступают в музыкальные училища. И тогда любимый инструмент становится их профессией. О возможностях и перспективах — в нашем следующем репортаже.

СЛУШАЛИ, ДА НЕ СЛЫШАЛИ

В последний день зимы в концертном зале «Зарядье» совсем новенький орган французской фирмы Mühleisen не замолкал 24 часа под руками 24 русских и зарубежных органистов, что стало рекордом по длительности органных концертов в истории человечества! Около 20 тысяч человек смогли посмотреть на короля инструментов, но расслышать его речь сумел не каждый. 

Тимур Халиуллин

Многие знатоки органного искусства говорят, что инаугурация органа – событие, которое проходит чуть ли не раз в сто лет. Но в Москве не такая уж это и редкость. Например, в 2004 году был представлен немецкий орган Дома Музыки, который, кстати, не уступил первенство в количестве регистров собрату из «Зарядья». А вот по многообразию возможностей, качеству и богатству звучания француз явно выигрывает. И не только у немца.

От всех своих столичных собратьев орган отличается наличием у него так называемых электронных мозгов. Звучание каждого регистра можно настраивать, смешивать с другими, создавать новые неповторимые комбинации, затем сохранять в памяти органа и искусно применять их в том или ином произведении. В этом Mühleisen-орган – настоящий уникум! 

Орган проектировался вместе с концертным залом «Зарядье» и по максимуму учитывает неординарные параметры зала: его акустику, модерновую пластичную архитектуру, заранее была сконструирована специальная ниша, которую впоследствии назвали «органным домом». 

Инструмент создавался сразу двумя старейшими французскими органостроительными фирмами: Daniel Kern и Mühleisen – опять же беспрецедентный случай.

Ну и внешний вид короля удивляет. Нет, как это обычно бывает, визуального давления барочных фасадов. Он словно айсберг, видимая часть которого составляет всего десятую долю подлинного размера. Снаружи – 135 труб. Их причудливая комбинация напоминает то ли две перекрещенные рыбки, то ли некую волнообразную космическую материю, на что намекает и консоль, внешне похожая на борт межгалактического корабля. Издалека панорама с двумя органными консолями под определённым светом похожа на человеческое лицо – выдержан стиль модерн. За стеной, на четырёх этажах «органного дома» спрятано 5737 труб; длина самой большой — около шести метров, самой маленькой – 8 миллиметров. А вес этого симпатичного монстра составляет 22 тонны! 

Один из важнейших навыков любого профессионального органиста – умение быстро адаптироваться к новому инструменту, ведь каждый орган уникален. А консоль органа Mühleisen имеет непривычное строение. Никаких громоздких выдвигающихся «рукояток-морковок»: чтобы поменять регистр, здесь достаточно нажать на маленькую кнопочку. Некоторые участники концерта признавались, что привыкание к этому ноу-хау вызвало у них некоторые трудности, хотя на репетициях сам месье Патрик Арманд (главный мастер фирмы Mühleisen) помогал органистам разобраться с новым устройством. 

Лучшие органисты мира исполняли программы, включавшие произведения всех музыкальных эпох и жанров, вплоть до переложений саундтреков из современных художественных фильмов (некоторым зрителям посчастливилось войти в зал под звуки «Имперского марша» из «Звёздных войн». Как говорится, почувствуй себя злодеем!). 

Оливье Латри и Шин-Янг Ли

Концерт длиною в сутки стартовал ровно в 00:00. Главный органист и хранитель органа «Зарядья» Лада Лабзина открыла длинный путь посвящения короля инструментов Пассакалией И. фон Керля. Начинать торжество тихой, строгой композицией может показаться подозрительным. Но такой ход не был случайностью. Перед входом в зал в мрачноватой обстановке гиды (представители московских музыкальных и театральных вузов) рассказывали зрителям об истории создания органа, а затем провожали туда, где происходило волшебное таинство. Пассакалья в данном случае стала идеальным фоном для рассказа. А вот на сцену зрители выходили уже под звуки традиционной для органной инаугурации Токкаты и Фуги ре минор И. Баха.

На сцене вибрации мощных труб иногда создавали ощущение землетрясения вокруг и даже внутри самого человека. Подобного эффекта может достигать только орган! Неспешно друг за другом люди проходили по лабиринту из разложенных нот органных сочинений, мимо мигающих в такт музыке лампочек, восхищались причудливыми картинами на стенах зала и снимали-снимали-снимали происходящее на телефоны. Автор этой иммерсивной инсталляции с эффектом погружения — режиссёр Даниэле Финци Паска. По его словам, такой формат помог зрителю, слушателю увидеть обычно недоступные вещи (например, органиста на расстоянии вытянутой руки), услышать музыку по-новому, со сцены – так, как её слышат музыканты.

Сеансы каждой группы длились по десять минут, поэтому, насмотревшись на красоту и даже ощутив её на себе, зрители двигались дальше, приближаясь к главному создателю великолепия – органисту. Мы привыкли видеть его в лучшем случае со спины, а в Зарядье можно было рассмотреть виртуоза, умеющего играть гаммы руками и ногами, вблизи. При желании можно было даже дотронуться до исполнителя или сделать с ним селфи. 

Всё это действо больше напоминало аттракцион или экскурсию в музее современного искусства. Исполнители походили на живые экспонаты или цирковых зверушек, на которых пришли поглазеть, ну может, совсем чуть-чуть послушать. Цель такого концерта, по словам организаторов – продемонстрировать публике все возможности, регистры, краски органа. За сутки это, действительно, получилось (хотя некоторые органисты хитрили и играли выученную пятнадцатиминутную программу по несколько раз, что вызывало недоумение у тех исполнителей, которые до этого не додумались). Но зритель, попадавший в зал всего на десять минут, успевал прослушать максимум два разноплановых сочинения, в которых практически не было никакого разнообразия красок, жанров и стилей. Кому-то и одно сочинение доставалось, если звучал, например, тринадцатиминутный BACH Ф. Листа. Конечно, там хватает разнообразия, но стиль один — романтический. 

Больше повезло тем, кто попал на завершение двадцатичетырёхчасового марафона, когда выступал органист Нотр-Дам де Пари — Оливье Латри. На «бис» он исполнил две импровизации на русские темы: из «Подмосковных вечеров» и «Танца с саблями» А. Хачатуряна, развернув в них и драматизм Баха с Листом. Послушать блистательный финал пришли не только очередная «делегация» зрителей, но и весь персонал «Зарядья», героически отработавший такую длинную смену, а также выступавшие органисты и организаторы мероприятия.

Бурные овации, конечно, предназначались не только музыканту, но и органу, который под вечер всё-таки устал и около 19:00 даже немного расстроился. Спасибо его дорогому родителю месье Патрику: он не оставил своё дитя в беде и всего за три минуты до входа очередной группы людей «подлечил» нового короля.

Фото: Владислава Власова

Чистая монета

Большой театр увидел новую историю «Садко» в постановке Дмитрия Чернякова

Садко – Нажмиддин Мавлянов. 
Волхова – Аида Гарифуллина.

Помните, как смиренно ожидала своего возлюбленного Пенелопа? Странствующего Одиссея любила и одновременна ненавидела вся Итака. Целых двадцать лет не было его дома: десять из них он сражался под стенами Трои, десять скитался по морям.

Москва ждала Дмитрия Чернякова как Одиссея. Спустя почти десять лет оперный режиссер вернулся с новыми идеями в столицу. За это время он успел стать героем нашего времени и одновременно тем, кто утопил русскую классику в постановочных извращениях. Заложенные им смыслы способны прочесть немногие, как и немногие способны понять очевидный и неподдельный интерес режиссера к произведениям. Римского-Корсакова.

«Садко» – его пятая постановка. В черняковском списке: «Царская невеста» в Берлинской государственной опере и Ла Скала, «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» в театре Лисеу, «Снегурочка» в театре Бастилии и «Сказка о царе Салтане» в Ла Монне. Последняя шокировала публику в Брюсселе историей о мальчике-аутисте. 

Грандиозная, «многонаселённая», со сложной судьбой опера «Садко» сравнима разве что с операми Вагнера, потому её и так редко ставят, тем более за рубежом. До сочинения оперы-былины композитор переживал кризис, он почти не творил. Римский-Корсаков был впечатлен музыкой Вагнера. Тетралогию «Кольцо Нибелунга» он услышал до «Садко».  Об этом факте знал и Черняков. Сам режиссер признавался, что в последний раз так интенсивно и затратно работал, когда ставил «Парсифаль». 

«Садко» – история о сверхзадачах. Сценическая жизнь опер Римского-Корсакова необширна, а многие вещи в ней нужно заслуженно выводить и заново открывать для зрителя. Известный своей детальной, на уровне атомов, проработкой режиссер подарил символический сюрприз всему Большому театру. И здесь ключевое слово «подарил», а не «угодил», как успели подумать многие завистники-склочники. 

Для спокойствия души у Чернякова было достаточно: состав артистов, с которыми он прежде работал, огромная труппа театра для хоровых и массовых сцен, даже канонические купюры Большого остались и были заявлены как данность. От Чернякова ожидали чего угодно: от новопридуманного персонажа, до выкинутой картины-сцены, но и здесь этого не случилось. Материал на месте, персонажи крупно поданы, нужные артисты приглашены. Всё на месте. «На месте» ли сам режиссер?  

«Садко» по Чернякову – плоскость одновременно сказочного и реального. Каждая из семи картин – павильон развлечений, где исполняются все желания, куда попадает главная тройка: Садко, Любава и Волхова. Они незнакомы с друг другом, до того момента как не вступят в игру. Точнее сказать, пока им не раздадут подходящие роли. 

Садко – Нажмиддин Мавлянов. 

Напоминает всё это реалити-шоу «Остаться в живых». Занавес пока не открыт, а на экране уже видео-опрос от организаторов сего празднества. Видим крупные планы каждого из участников, слышим пару вопросов: почему вы здесь? чего ожидаете получить в итоге? И узнаем: вертихвостка Волхова (Аида Гариффулина) – успешная девушка, которой не хватает трепета любви. По характеру она походит на Стрекозу, что «лето красное пропела». В одной из картин вечно танцующая блондинка скинет своё летящее парео, напевая колыбельную Садко. Извращение и срам? Да нет, а вот буквально за руку притащить Любаву на место измены, мол смотри кто милее и краше – скорее да, чем нет. Любаву (Екатерина Семенчук) беспокоит одиночество: «что со мной не так? почему это происходит?». Этот персонаж – олицетворение внутренней женской силы. Именно через него Чернякову удалось в какой-то степени поднять тему феминизма и сексизма в опере. Последний из троицы – Садко (Нажмиддин Мавлянов). Как и все он приходит за «новыми ощущениями». Похожий на прокрастинатора-неудачника он неравнодушен к фантастическим романам и любит приключения. 

В этот раз Черняков использовал в постановке идею пяти художников: Коровина, Рериха, Билибина, Егорова, Федоровского. Декорации сцен – стиль каждого из них. Работы Екатерины Зайцевой, которая делала костюмы почти ко всем спектаклям Чернякова – лаборатория самых смелых решений: от плясок в лубочных кафтанах в русском стиле, до фантасмагоричного дефиле морских обитателей. Первое – больше история о чем-то кукольном и дурашливом. Ведь все новгородцы и дружина Садко – ряженые работники парка развлечений, а их однотипные одеяния и пшеничные головы-парики – антураж представления. А вот второе – история об одной из самых красивых и эффектных картин в спектакле. 

Любава Буслаевна – Екатерина Семенчук. 
Садко – Нажмиддин Мавлянов. 

Подводный мир – вселенная «Звездных войн», «Пятого элемента» и мультяшного кабаре для детей. Настроение – фильмы Люка Бессона вперемешку. Водное царство, где на огромных сомах выкатываются как на автомобиле, где рыбки, морские коньки, осьминоги водят хороводы, где ощущение что вот-вот появится рок-звезда Фредди Меркьюри и устроит здесь балаган в костюме дельфина-пришельца. Космических размеров ирония, невероятный гротеск, придуманный и додуманный до мельчайших частиц Черняковым поражает. Даже сцена венчания Садко и Волховы – жемчужина сарказма: рыбы несут вместо тиары ракушки.  

Музыкальное исполнение спектакля было не самым качественным, если сравнивать предыдущие работы режиссера, где эта составляющая безукоризненна. Премьерный день, волнение, общая сыроватость целого – это можно понять, но постоянное расхождение с оркестром хора и солистов – нет. Жаль, когда хоры существуют в своих темпах, танцующая Волхова задыхается, неаккуратно выходя на верха, а визитные песни трех гостей заморских и вовсе не звучат полноценно: то возле нот, то мимо. Садко – партия не из легких. Нажмиддин Мавлянов свыкся с ролью, с той ситуацией, в которую его закинули, но было ощущение динамической передозировки и тугого звукоизвлечения с его стороны. Зато образ Любавы в исполнение Екатерины Семенчук вышел многослойным и музыкально крепким. 

В лучших традиция Большого – захламить сцену максимально всем и вся. Черняков будто бы говорит нам: «Я готов дать всё, о чем вы просите». Кокошники и сарафаны – пожалуйста, русскость души и пиршества – пожалуйста, обвесить гостя до упаду бусами– и этого добра хоть отбавляй. Черняков издевательски иронизирует над всем. 

Нежата – Юрий Миненко. 
Садко – Нажмиддин Мавлянов. 
Старчище – Сергей Мурзаев. 

К счастью, это «всё и вся» умело приправлены мастерством и талантом режиссера. Одни ждут хитросплетений, другие вечного карнавала, а третьи – всего и сразу. 

Что в итоге: победа или поражение? Мнимая ошибка или чистый расчет? А может, победа через поражение? Одна работа, которую кто-то посчитает провалом в карьере режиссера никогда не затмит множество других. Гений Чернякова определяется не запросами публики, а верностью самому себе. Всё проще: наше восприятие так источено и так усложнено, что многие вещи просто невозможно воспринять за чистую монету.

Фото: Дамир Юсупов / Большой театр

«Less is more»: музыканты ломают стереотипы

Молодой ансамбль «Reheard» дал концерт современной музыки в Москве

Что ожидает слушатель, покупая билеты на концерт классической музыки? Увидеть ярко освещённый зал, благообразную публику, музыкантов во фраках и концертных платьях, играющих Чайковского или Рахманинова на большой сцене.

Что ждёт слушателя, собиравшегося на вечер современной академической музыки? Скорее всего, выступления известных в кругах знатоков ансамблей МАСМ или «Студия новой музыки», Госоркестра  с Владимиром Юровским во главе и, конечно,  развёрнутые комментарии ведущего, объясняющего концепции произведений.

Ансамбль «Reheard» разрушает любые клише.

Столичный коллектив образовался два года назад на базе проекта «Gnesin Contemporary Music Week». Там музыканты занимались с современными авторами, дирижёрами и солистами МАСМа и «Студии новой музыки». Участники «Reheard» — студенты академии музыки имени Гнесиных и Московской консерватории — исполняют сочинения композиторов-экспериментаторов XX и XXI веков: Пьера Булеза, Эдисона Денисова, Клауса Ланга, Александра Ретинского, Франческо Филидеи и многих других. Ансамбль уже выступил на Международной академии молодых композиторов в г.Чайковском, на Рождественском фестивале в Воронеже, на первой Московской студенческой филармонии, на «Днях Эдисона Денисова» и в центре Вс. Мейерхольда.

Дмитрий Баталов, Алёна Таран

Недавняя серия февральских концертов «Игра двух городов» пополнила коллекцию площадок «Reheard» залами московского музея А. Скрябина и питерского Музея Звука. На новых для себя сценах пианист Дмитрий Баталов, скрипачка Алиса Гражевская, виолончелистка Мария Любимова, флейтистка Алёна Таран, кларнетист Андрей Юргенсон и дирижёр Елизавета Корнеева представили как произведения состоявшихся российских мастеров, так и написанные специально для ансамбля опусы юных авторов. В начале концерта в качестве произведения самого опытного из композиторов прозвучала «Монодия» для скрипки Сергея Слонимского, подзаголовок которой — «По прочтении Еврипида» —  отсылает к античности. Древнегреческую монодию автор интересно соединил с разнообразными композиторскими техниками новейшего времени. И Алиса Гражевская, сыгравшая пьесу темпераментно и эмоционально, удачно подчеркнула этот прием.

В качестве мировых премьер «Reheard» подготовил сочинения студентки Казанской консерватории Лилии Исхаковой «Another light» и ученика Высшей школы музыки в Женеве Сергея Леонова «What about?». Оба автора посвятили свои произведения самому ансамблю. «Светом, который создаёт атмосферу и настроение» пьесы Лилии Исхаковой, музыкантам не удалось наполнить зал «до краёв», а вот идею «хаотичного», заложенную в композиции Сергея Леонова, они передали очень убедительно.

Дмитрий Баталов, Алиса Гражевская, Мария Любимова

Помимо «Монодии» Слонимского прозвучали сольные пьесы для других инструментов. В «Cleavages» для бас-кларнета саунд-дизайнера Николая Хруста солисту Андрею Юргенсону необходимо было создать эффект «отражения звуков самих в себе» и чередования «единства» и разделения исполнителя с инструментом. Подобный принцип лежит в основе сочинения Алексея Сысоева «Marsyas», исполненного Алёной Таран. Это «обнажение приёма»: в пьесе есть множество шумовых техник игры на флейте и очень мало её озвученного тембра.

В противовес таким техничным, но немелодичным произведениям, Мария Любимова выступила с «Lifestream» Льва Тернера, выпускника РАМ им. Гнесиных. Здесь композитор использует не только струны, но и корпус виолончели. При этом все эффекты прозвучали легко, создавая впечатление игры ритмов и мотивов. Дмитрий Баталов представил премьеру «Flashbacks to perform #1» Полины Коробковой, студентки Высшей школы искусств в Цюрихе. Пьеса основана не на техниках и шумовых приёмах, а на раскрытии тембрового  богатства фортепиано. Дмитрию удалось передать эту идею в самых разнообразных, иногда удивительных звуках: тихих, глубоких, наполняющих, «тактильных», «прозрачных», «воспроизводимых».

Одним из произведений для полного состава: флейты, кларнета, скрипки, виолончели и фортепиано с участием дирижёра — стала премьера Дмитрия Мазурова «Hauntology». Автор объясняет понятие «хонтологии» как «тоску по будущему, которое так никогда и не наступило». Хотя сам композитор, в основном, работает в сфере экспериментальной электроники, в этой пьесе он специально выбрал академический стиль и акустические инструменты. «Hauntology» прозвучала в широком эмоциональном диапазоне, вызывая у слушателя всю гамму чувств от страсти до тоски.

Небольшая, но ёмкая программа, краткие образные комментарии ведущей Натальи Вересковской, чёрные брючные костюмы с кроссовками вместо платьев и лакированных туфель, уютный полумрак небольшого, но просторного зала музея А. Скрябина — все эти особенности выступления «Reheard» воплощают идею «Less is more» или «Меньше значит больше». За кажущимся минимализмом визуальных и словесных средств, близости исполнителей к слушателям прячется звуковая непредсказуемость, которая шокирует слушателей, а потом исчезает. А все для того, чтобы «озвучить» вопросы, которые никто не осмеливается задать, и  побудить людей искать ответы внутри себя.

Фото: Анна Махортова

Синтез искусств в джаз-клубе Алексея Козлова

В конце декабря одна из сцен любимого музыкантами клуба стала концертной площадкой для создателей экспериментальной музыки. Аркадий Пикунов вместе с другими экспериментаторами представил свой авторский проект «Иное рождение».

Аркадий Пикунов

Первая презентация проекта-перформанса прошла 3 декабря в Культурном центре «Дом». Главный герой перформанса – реальный человек, за которым стоит сам автор. «Это поиск вечного, совершенного счастья в творчестве, но парадокс заключается в том, что его там нет. Герой страдает от осознания этого. Для меня важно прожить на сцене то, что я проживаю в реальной жизни последнее время, и поделиться этим через музыку. Это своего рода исповедь» – говорит Аркадий. Его персонаж, запутавшийся в жизненных перипетиях молодой саксофонист, был окружен звёздным составом музыкантов – вместе с ним импровизировали Аркадий Шилклопер, Григорий Сандомирский, Петр Ившин, Алексей Наджаров и Георгий Мансуров. 

«Иное рождение – это другое (или новое) рождение коллектива, определенных взаимодействий, музыки. Это новые диалоги и взаимодействия на сцене», – так объясняет автор название своего проекта. На этот раз создавать иную музыкальную реальность Аркадию помогали Григорий Сандомирский (фортепиано), Алексей Наджаров (live-электроника) и Оксана Григорьева (ударные). 

Проследить определенную драматургию или некое развитие событий было достаточно сложно. Скорее, это был набор состояний, ощущений, переживаний, которые то чередовались, то переплетались между собой. Лирические эпизоды сменялись агрессивно-драматическими, конкретная музыка – интуитивной, а традиционные приемы игры чередовались с фруллато, слэппингом и мультифониками. 

«Так как в “Доме” я уже пережил одну историю, которую не хотел проживать еще раз, то и музыка в этот раз была процентов на девяносто другая. Здесь было больше импровизационности и свободы, в “Доме” же была детально прописанная программа. Несмотря на то, что не все развивалось так, как я хотел, в целом я доволен результатом». (Аркадий Пикунов) 

Григорий Сандомирский, Михаил Сапожников, Аркадий Пикунов, Оксана Григорьева, Алексей Наджаров

В тот вечер музыканты вдохновили на «рождение нового» всех, кто оказался рядом с ними. Одна из постоянных гостей клуба – художница Тамара Зиновьева. Пока звучала музыка, она создала несколько скетчей, которые в финале вечера подарила музыкантам. 

Возможно, клуб, с его уютной и расслабляющей атмосферой, – не идеальное место для представления такого проекта. Экспериментальная музыка, жанр перформанса, замысел автора – все это предполагает абсолютное погружение зрителя в то, что происходит на сцене. А сделать это довольно непросто, когда за ближайшим столиком обсуждают выбор вина.

Сочувствовать коварным

В Большом театре состоялась премьера оперы Генри Пёрселла «Дидона и Эней». Теперь любовные терзания Дидоны не разрывают сердца слушателей.

Вторая женщина – Екатерина Щербаченко, Дидона – Анна Горячёва, Эней – Жак Имбрэйло

Самая известная опера Пёрселла впервые представлена на Новой сцене. Постановка осуществлена совместно с Международным оперным фестивалем в Экс-ан-Провансе. В Большом над спектаклем работали дирижер Кристофер Мулдс (Великобритания), режиссер Венсан Уге (Франция) и сценограф Орели Маэстр (Франция). 

В новой постановке спектакль начинается с пролога, написанного французской писательницей Мейлис де Керангаль. Из него зрители узнают всю предысторию Дидоны. Появляется новый персонаж – Женщина с Крита. Весь пролог она рассказывает о том, как царица построила великий Карфаген ценой обмана и похищения критских девушек. Выразительный, преисполненный боли, голос Сэсэг Хапсасовой переходил то на шепот, то на восклицания. Пение с этническими вставками-импровизациями и пританцовыванием оживляло безрадостный рассказ. Эта красивая сцена получилась слишком продолжительной для 40-минутной оперы, в результате чего пролог поменял акценты в основном сюжете. После всех своих жестокостей Дидона становится недостойной счастья, ее любовь обречена, и теперь смерть – это не злой рок, а возмездие. 

У Венсана Уге Карфаген выглядит, как каменный причал. Стоя на высокой стене, Дидона впервые видит Энея, люди плетут заговор, в самом конце у основания всё той же стены царица театрально умирает. Костюмы героев не привязаны к историческим реалиям. Дидона в ярком красном платье классического кроя, Эней выглядит как солдат первой мировой войны, а народ – как простой люд во многих операх. После такой эклектики появление в атрибутике пистолетов не вызывает удивления. Кажется, что в действие можно ввести вообще всё что угодно.

Исполнители пели на одном уровне и особенно не удивили. Заглавную партию исполнила Анна Горячёва. Ее голос изначально оставил неоднозначное впечатление. Звучание было странным, немного искусственным. Такая манера пения выделила солистку среди других вокалистов и вызвала ассоциации с контратенорами. Время от времени, возможно из-за сложных мизансцен, Дидону было не слышно. В финальной арии, которая воспринимается как символ трагической любви, накала страстей и ощущения безысходности не случилось. Скорее, создалось впечатление, что исполнителям хотелось быстрее закончить спектакль. Эней Жака Имбрэйло внешне вполне соответствовал типичному романтическому герою, но его пение сердца слушателей не растопило. 

Огромную роль в новой постановке играет хор – редкие мизансцены  поставлены без участия народа. Кроме того, состав хора усилен, и за сценой и на сцене он звучит превосходно, в лучших традициях Большого. Однако именно хоровые эпизоды порой вызывают недоумение. Исходя из пролога, народ должен ненавидеть Дидону. При этом люди радостно ждут брака своей царицы с полубогом и героем Энеем, а после смерти Дидоны почему-то скорбят. Разве не должен народ ликовать после отмщения? 

Женщина с Кипра – Сэсэг Хапсасова, Белена – Анастасия Сорокина, Дидона – Анна Горячёва

Одна из сильных сторон спектакля – оркестр. Под управлением Кристофера Мулдса он звучал стройно, гармонично и вполне «исторически».  В творчестве британского дирижера опера эпохи барокко занимает особое место; ту же «Дидону» он ставил в разных уголках мира. На этот раз аутентичный оттенок звучанию придало и то обстоятельство, что в оркестр Большого театра были введены барочные инструменты: клавесин, теорба и виола да гамба.

Фото: http://muzlifemagazine.ru/didona-i-yeney-v-bolshom-teatre/

Итоги без фальши

На дворе первые дни 2020-го года. За окном «европейская» зима, на столах нескончаемые пиры, в головах звон бокалов, вокруг близкие и родные люди. Редакция «БезФальши» предлагает на пару минут отвлечься от праздничной рутины и вспомнить то, что принес в историю 2019-й.

ПРОРЫВ

Звание «Прорыв года» получает джазовый гитарист Евгений Побожий. Музыкант закончил эстрадно-джазовую кафедру в Ростовской консерватории им. С. В. Рахманинова, работает в Московском джазовом оркестре Игоря Бутмана, собрал собственный квартет. 3 декабря Евгений Побожий выиграл Международный конкурс Института джаза имени Херби Хэнкока (ранее — Конкурс им. Телониуса Монка), тем самым став первым в истории музыкантом из России, который победил на престижнейшем американском джазовом конкурсе. Гитарист очаровал жюри владением разными стилями и умением играть в ансамбле.

Евгений Побожий

ДОСТИЖЕНИЕ

Достижением года становится победа ансамбля современной хоровой музыки «Alto coro» на конкурсе чемпионов «Grand Prix of Nations» в рамках IV-х Европейских Хоровых Игр в шведском Гётеборге. Европейские Хоровые Игры – один из престижнейших хоровых конкурсов в мире. Основатель и художественный руководитель ансамбля – ректор Российской Академии музыки имени Гнесиных, доктор искусствоведения Александр Сергеевич Рыжинский. Свою историю «Altro coro» ведет с 2010-го года, за это время коллектив обрел обширный концертный репертуар, включающий произведения XX-XXI веков, в том числе и редко исполняемые.

Altro coro

ПРЕМЬЕРА

«Поругание Лукреции» получает звание «Премьера года» по версии «БезФальши». В апреле 2019-го в театре «Новая опера» имени Е.В. Колобова состоялась московская премьера оперы «Поругание Лукреции» Бенджамина Бриттена. Постановка стала частью программы Года музыки Великобритании и России. Главный дирижёр и музыкальный руководитель — Ян Латам-Кёниг, постановщиками стали режиссёр Екатерина Одегова и художник Этель Иошпа. «Лукреция» – это спектакль, в котором прекрасное звучание, актерская игра и художественное оформление соединились по режиссерской задумке, чтобы не только поставить вопросы нравственности, но и предложить свои ответы.

Поругание Лукреции

СОБЫТИЕ

Здесь, конечно же, без вариантов – это XVI Международный конкурс имени П. И. Чайковского. Соревнование имеет славную историю (проводится с 1958-го года), и повидало на своем веку как триумфальный взлет, так и безнадежный упадок. Последнее десятилетие, после того как председателем оргкомитета конкурса стал Валерий Гергиев и была получена мощнейшая финансовая поддержка, состязание вновь обрело статус одного из престижнейших в мире. В 2019-м конкурс прошел на 11-ти концертных площадках Москвы и Санкт-Петербурга, были введены две новые специальности: медные и деревянные духовые инструменты. Был поставлен рекорд: трансляцию на Medici.tv посмотрели более 10-ти миллионов человек по всему миру.

ФЕСТИВАЛЬ

В 2019-м году в Инженерном корпусе Третьяковской галереи открылась невиданная в России по масштабам выставка картин норвежского живописца Эдварда Мунка, известного работами «Крик» и «Мадонна». Уникальному событию был посвящен проходящий в стенах Третьяковки не менее уникальный фестиваль камерной музыки «Vivarte». Художественный руководитель Борис Андрианов пригласил в Москву известнейших музыкантов из России, Канады, Австрии, Великобритании и скандинавских стран: Дмитрия Илларионова (гитара), Сергея Догадина (скрипка), Игоря Рахлина (скрипка), Сару Макелрави (скрипка), Итамара Голана (фортепиано), Дмитрия Синьковского с его ансамблем «La Voce Strumentale». Изысканность программы, маститость и виртуозность музыкантов, проникновенность интерпретаций делает «Vivarte» одним из лучших камерных фестивалей в России. 

Борис Андрианов и Кристиан Иле Хадланд

СКАНДАЛ

В августе и сентябре этого года испанского мэтра оперной сцены Пласидо Доминго обвинили в сексуальных домогательствах в совокупности 20-ти представительниц прекрасного пола. Все эти инциденты имели место быть в далёком прошлом – аж в 1990-е годы. Почему это всплыло только сейчас? Остаётся только догадываться. Как и остаётся только удивляться тому, насколько своеобразно законодательство США. Леденящие кровь «преступления» Доминго из серии «он пригласил меня на ланч», «он подошёл ко мне вплотную и предложил остаться у него» послужили причиной увольнения 78-летнего певца с поста директора оперы Лос-Анджелеса, ухода из Метрополитен-опера и отменой концертов. Жаль, что бездоказательные обвинения, вызванные скорее всего завистью и алчностью, находят поддержку в таком с виду развитом и демократическом обществе, как американское.

Пласидо Доминго

СМЕКАЛКА

Сцена – место сюрпризов, причём не всегда приятных. Музыкантам приходится во время выступлений выкручиваться с лопнувшими струнами, расстроенными роялями и забытыми нотами. Например, в финальном туре XVI Международного конкурса им. П.И. Чайковского оркестр начал играть произведения одного из пианистов в обратном порядке. Конкурсант из Китая Ань Тяньсю был в недоумении, услышав вступление из «Рапсодии на тему Паганини» Рахманинова, а не из Первого концерта Чайковского, который он планировал играть вначале. Пианист многновенно сориентировался и выступил достойно. Причину казуса узнали позже: инспектор Госоркестра перепутал порядок произведений, и разложил партии на пульты оркестрантов в неверной последовательности. Жюри единогласно решило вручить конкурсанту специальный приз «за самообладание и мужество».

Ань Тяньсю

ГАСТРОЛИ

Тринадцатиминутные овации после четырехчасового «гипноза» и множество восторженных рецензий – итог постановки «Хованщины» Мусоргского Валерием Гергиевым в «Ла Скала». «С порхающими без устали пальцами, он выводил звук такой интенсивности, как будто для исполнения был вызван дух его родины – “черноземная сила”, как писал Мусоргский», –прокомментировало работу российского дирижера издательство «Financial Times».

В главных ролях выступили солисты Мариинского театра: «Мощный, гротескный Иван Хованский в исполнении Михаила Петренко, Екатерина Семенчук, словно впитавшая властный характер своей героини, Алексей Марков, впечатливший голосом и ярким образом Шакловитого» («La Stampa»).

Также над оперой работал итальянский режиссёр Марио Мартоне. После фееричной премьеры в феврале «Хованщина» шла в «Ла Скала» ещё весь март, а в июне спектакль исполнили в Московской филармонии. 

Валерий Гергиев

ПРЕЗИДЕНТ ГОДА

В октябре 2019 года в стенах Российской академии музыки имени Гнесиных произошли важные кадровые перестановки: ректором вуза был избран Александр Сергеевич Рыжинский. Его предшественница Галина Васильевна Маяровская, занимавшая этот пост с 2007 года, стала президентом Академии. Должность была учреждена специально, исходя из того, что вуз получит энергичность и решительность Александра Сергеевича вместе с опытом и авторитетом Галины Васильевны. Началась новая традиция президентства Гнесинке, которая наверняка принесет заведению заметную пользу.

Галина Васильевна Маяровская

ПОТЕРИ

Необходимо вспомнить тех, кто оставил свой уникальный и запоминающийся след в музыке, и кому не суждено было пережить 2019-й.

Евгений Крылатов, композитор, народный артист РФ. Им создано большое количество сочинений в разных жанрах: симфоническая, камерная, эстрадная музыка, музыка для драматического театра, радио и телевидения, но особенно плодотворно его творчество в кинематографе: он стал автором музыки более чем к 160 фильмам и мультфильмам («Простоквашино», «Умка», «Гостья из будущего», «Чародеи», «Приключения Электроника»). Умер 8 мая в Москве в возрасте 85-ти лет.

Джесси Норман, легендарная американская оперная певица. В её репертуаре присутствовал богатейший камерный и вокально-симфонический репертуар от Баха и Шуберта до Малера, Шёнберга («Песни Гурре»), Берга и Гершвина. Также Норман записала несколько дисков спиричуэлc и популярных американских, а также французских песен. Ее оперный репертуар включал партии из опусов Р. Штрауса, Р. Вагнера, Ж. Бизе, И. Стравинского, Г. Берлиоза и многих других. Джесси Норман не стало 30 сентября в Нью-Йорке на 75-м году жизни. 

Гия Канчели, композитор, автор семи симфонии, множества хоровых произведение и музыки к фильмам «Не горюй!», «Мимино», «Кин-дза-дза», народный артист СССР. Умер 2 октября в Тбилиси на 85-м году жизни.

Марис Янсонс, советский и российский дирижёр, народный артист РСФСР. С 1979 года занимал место музыкального руководителя оркестра Филармонии Осло, с 1994 года сотрудничал с Венским филармоническим оркестром. В 2004—2016 являлся главным дирижёром нидерландского Концертгебау. Среди других коллективов, с которыми работал Янсонс, — Берлинский филармонический оркестр, симфонический оркестр Баварского радио, Чикагский, Кливлендский и Питтсбургский симфонические оркестры. В 2005 году Янсонсу присудили «Грэмми» за исполнение Тринадцатой симфонии Шостаковича. Умер в Санкт-Петербурге 1 декабря в возрасте 76 лет.

Текст: Анастасия Деминская, Анастасия Петровская, Полина Столярова, Лидия Заграевская, Вадим Симонов

Фото:

https://m.gazeta.ru/culture/2019/05/08/a_12344479.shtml, https://www.peoples.ru/art/music/conductor/yansons/yansons_339.shtml, https://www.liveinternet.ru/users/lhvr_grecey/friends/, https://tchaikovskycompetition.com/en/photos/gal9.htm, http://www.nazarovo-online.ru/tv/2019/05/08/annonce/2312873/, https://www.jazz.ru/2019/12/12/evgeny-pobozhiy-interview/?fbclid=IwAR3-R3ApaQbXERFy0GhXQPw99BG2gqIfc_sRmcYKcHPukBY47lmjTHCHIT4, https://novayaopera.ru/afisha-i-bilety/repertuar/poruganie-lukretsii/, http://www.zimbio.com/photos/Placido+Domingo/LA+Opera+Nabucco+Concert+Starring+Placido/0SBrQUgf9hF, http://www.rewizor.ru/music/news/obyavleny-rezultaty-i-tura-konkursa-chaykovskogo/, http://www.unident.ru/u-art/IV-Mezhdunarodnyj-festival-kamernoj-muzyki-14892.phtml

Буйство рок-н-ролльных красок в Доме музыки

Гленн Хьюз «взорвал» зал хитами Deep Purple

Невероятному драйву концерта, состоявшемуся в Светлановском зале, предшествовало томительное ожидание: фанаты группы ждали выхода музыкантов. И вот наконец на сцене появился, кокетливо помахав руками, Гленн Хьюз (бывший басист и вокалист группы «Deep Purple») с другими исполнителями: это гитарист Сорен Андерсон, клавишник Йеспер Бо Хансен, барабанщик Фер Эскобедо. Уверенно заняв свои места, рокеры погрузили слушателей в атмосферу семидесятых, с их особым азартом и запалом, с их легендарными хитами.

Гленн Хьюз

Начали со «Stormbringer», а дальше – “Mistreated”, “Sail Away”, “Smoke on the water», “Burn”… В каждой песне Гленн Хьюз и его группа выкладывались по полной. Хьюз сотрясал стены Дома музыки своим мощным, зычным голосом под энергичный аккомпанемент гитарных риффов и сверхсумасшедших ритмов барабанов. Фирменные рокерские «штучки» – например, резкие прыжки к верхним нотам в вокальной партии или протяжное соло электрогитары на фоне ярких гармоний у клавишных – добавляли сочности и темперамента происходившему на сцене.

Сорен Андерсон

Динамичные песни сменялись рок-балладами, и каждая композиция вызывала импульс-отклик у зрителей. Поднятые вверх «рожки», кулаки, плакаты, яркие экраны телефонов стали знаками полного взаимопонимании публики с музыкантами на сцене.

Фер Эскобедо и Гленн Хьюз

Радушный приём вдохновил Хьюза на новые свершения. В каждом хите знаменитый рокер демонстрировал залу разные грани своего вокального мастерства, лихо путешествуя от одной композиции к другой.

Напористые яростные ритмы, пробиравший до мурашек голос, впечатляющая работа осветителей сцены, – Дом музыки и его гости не сразу смогут забыть этот вечер. Гленн Хьюз, не теряющий рокерской хватки, вместе с другими музыкантами вновь покорил слушателей настоящим и искренним рок-н-роллом.

Фото: https://www.khalzov.ru/2019/11/glenn-hughes.html