4 и 6 мая в канун 80-летия Великой Победы на сцене Театра музыки и поэзии под руководством Елены Камбуровой состоялись премьерные показы спектакля «Петербург — Петроград — Ленинград». Идейным вдохновителем выступила музыкант многогранного дарования: известный хоровой дирижер, певица, ведущая артистка театра Елена Веремеенко. Елизавета Краюшкина выяснила интересные детали постановки.
Расскажите, как появилась идея создания спектакля?
Я очень давно хотела, чтобы в нашем театре появилась работа, посвященная горячо любимому Петербургу. Музыка Дмитрия Шостаковича как нельзя точно и динамично воспроизводит картины города в военное время. Сначала я предложила идею Олегу Синкину — музыкальному руководителю театра, после чего мы обсудили и развили задумку с Иваном Поповски. Идея оказалась близка режиссеру, и он сразу же согласился работать над ее реализацией. В творческом тандеме единомышленников мне удалось воплотить этот масштабный замысел. Иван создал новаторское сценическое решение, а Олег аранжировал оркестровую музыку для нового состава исполнителей. В основу спектакля был положен хитовый, узнаваемый, животрепещущий музыкальный материал — оркестровая пьеса «Таити-трот», Концертино для двух фортепиано, медленная часть Второго фортепианного концерта, фрагменты Восьмого струнного концерта, Пятой и Седьмой «Ленинградской» симфоний Шостаковича.
Что лежит в основе драматургии?
История спектакля полностью исходит от музыки. «Петербург — Петроград — Ленинград» представляет собой сложно сочиненную компиляцию. С одной стороны, это приношение Петербургу, отражающее разные исторические периоды: дореволюционное время, революцию, годы Великой Отечественной войны и послевоенное возрождение. С другой стороны, спектакль посвящен Шостаковичу. Для нас было важно связать музыкальную драматургию с родиной Дмитрия Дмитриевича. Конечно, здесь нельзя обойти стороной трагедию блокады Ленинграда. Впервые Симфония №7 была исполнена именно там в далеком 1942 году. «Ленинградская» Шостаковича — это искренняя, решительная попытка композитора передать состояние ужаса обессилевшего, но непобедимого народа. Важнейшая веха в сюжетной линии спектакля отводится отражению внутреннего сопротивления ленинградцев.
Как выстраивалась композиция спектакля?
Прежде всего нужно было определиться с местом действия. Что является ключевой точкой Петербурга? Набережная Невы. Живая вода отражает непрерывное течение времени. Декорации архитектурных сооружений воссоздают антураж города. Мы понимали, что на сцене обязательно должны присутствовать все наиболее значимые элементы Питера. Сравнительно небольшое пространство зала диктует свои условия, но не становится помехой для воплощения масштабного замысла. У нас свое пространство, и оно неисчерпаемо. Если нельзя развернуться вширь, надо расти ввысь. Так возникла сложная многоярусная композиция сцены. В нижний фактурный пласт вписан оркестр, который периодически проявляется более активно, становясь полноправным действующим лицом, а затем исчезает, превращаясь в яму. На переднем плане сцены расположена река, создающая ощущение многослойности и перспективы. В центре композиции, а также на верхних этажах узнаваемых зданий Петербурга разворачивается актерское действо. Повсюду появляются говорящие символы города и метафорические образы.
С помощью каких музыкальных средств в вашем спектакле воплощен симфонизм Шостаковича?
Камерная сцена театра подразумевает особый набор музыкальных средств. В спектакле принимают участие квартет струнных, рояль, флейта, фагот и ударные. Медные инструменты отсутствуют. Для создания объемного звучания и эффектов используются микрофоны. Несмотря на ограниченный инструментарий, в нашей интерпретации Шостакович остался Шостаковичем; нам удалось главное — сохранить композиторский почерк Дмитрия Дмитриевича и воссоздать атмосферу его времени.
Олег Синкин — музыкальный руководитель театра, пианист и аранжировщик. Выпускник фортепианного факультета РАМ имени Гнесиных
Удобно ли исполнять симфоническую музыку Шостаковича с точки зрения вокала?
Как ни парадоксально, да. Симфоническая музыка оказалась удивительно удобной для исполнения. Безусловно, вокальный комфорт во многом определяется уровнем спетости коллектива. В спектакле количество вокальных номеров преобладает над чисто инструментальными. Певческая выразительность играет ключевую роль в реализации художественного образа. Хочется отметить, что Театр музыки и поэзии отличается особой спецификой исполнения. Большинство наших артистов имеет классическое дирижерско-хоровое образование. Музыкальную основу спектаклей составляет сольное и ансамблевое (многоголосное) пение различными составами — квартетами или секстетами. Драматические актеры не умеют петь, как мы; в то же время оперным певцам наши вокальные задачи покажутся неприемлемыми: мы можем исполнять любую музыку сидя, стоя, лежа и в прыжке, как угодно. Хоровики — люди гибкие, универсальные. У нас нет академических комплексов.
Расскажите о процессе подготовки спектакля.
Спектакль физически и эмоционально напряженный, он насыщен активным действием — актерскими движениями на сцене и частыми молниеносными переодеваниями за кулисами. К постановке нужно было привыкнуть. Процесс подготовки спектакля включал в себя вокальные встречи, на которых наш квартет солисток проучивал партии и выстраивал звуковой баланс в многоголосии; а затем репетиции с режиссером на сцене, где в состоянии актерского куража рождались новаторские музыкальные идеи. Одной из них является трактовка эпизода фашистского нашествия из «Ленинградской» симфонии. По нашей задумке, безжизненная механистичная музыка эпизода должна была обрести песенное звучание. Но в процессе репетиций стало понятно, что для достижения большего эффекта нужно усилить эмоциональное напряжение декламацией. Так вокал солисток постепенно переходит в отчаянный душераздирающий крик ленинградцев. Это очень неожиданный, смелый изобразительный прием.
В чем состоит главное отличие вашего театра от остальных?
Театр музыки и поэзии имеет особое устройство. Это не опера и не драма в чистом виде, не мюзикл и не оперетта. Уникальность нашего театра заключается в том, что мы не подходим под стандартные театральные классификации. Сущность и своеобразие нашего искусства заключаются в синкретичном единстве музыки и слова. Для нас принципиально важно, какие тексты используются в постановке и как стихи отражаются в музыке. Это устойчивая многолетняя традиция. Елена Антоновна Камбурова никогда не использовала в спектакле низкопробную поэзию. В основе музыкального действа всегда лежала интеллектуальная песня, представляющая художественную ценность. Этот постулат является для нас мощным ориентиром с момента основания театра. В постановке «Петербург — Петроград — Ленинград» звучат великие произведения Шостаковича — «Песня о встречном» на стихи Бориса Корнилова, «Родина слышит» на слова Евгения Долматовского, а также фрагменты из оперы Владимира Дашкевича «Двенадцать» на стихи Александра Блока. Песня «Ленинград» Дашкевича на стихи Осипа Мандельштама звучит в исполнении Елены Антоновны Камбуровой.
В заключение нашей беседы: музыка Шостаковича — какая она для Вас?
Однозначно ответить нельзя: с одной стороны, сейчас музыкальный язык Шостаковича выглядит классическим (академическим), с другой — он как будто полностью не расшифрован. В нем слишком много трагедийности, сарказма, иронии, разных скрытых состояний и смыслов. Его музыка требует тотального эмоционального погружения и философского осмысления. Она невероятно многослойная — в ней каждый раз находишь что-то новое. А всё потому, что композитор удивительно разный: и классически русский, и советский, и вместе с этим непостижимо неформальный, современный. Музыку Дмитрия Дмитриевича, ее ни на что не похожую силу и энергетику можно познавать всю жизнь.
Фото — Георгий Чеботков и Мария Машкова
